Quarante ans après sa disparition, Pablo Picasso (1881-1973) est l'un des artistes les plus populaires du monde, peut-être le plus populaire.
Son rôle dans l'histoire de l'art du XXe siècle, son influence sur l'évolution des formes et des styles, l'étendue fabuleuse de son œuvre, sa conception profonde du rôle de l'art et de l'artiste, restent en même temps méconnus du grand public et l'objet de nombreux préjugés entretenus par le cinéma, les anecdotes biographiques et une réputation de barbe-bleue.

At a moment when various uncertainties surround higher education, 'Advocating for Art History' offers theory-informed investigations, case studies, and actionable strategies to empower art historians to assess their individual policy environments and institutional contexts, recognize their spheres of influence, and develop strategic approaches to advocacy that leverage their expertise as educators and researchers. Edited by Jennifer P. Kingsley, Cindy Persinger, and Rosemarie Trentinella, the volume draws on its contributors’ decades of experience across diverse types of public and private institutions—from R-1 universities to liberal arts colleges as well as a medical school and military academy. Chapters share successes and failures, strategies for securing and maintaining institutional support, analysis of art history’s distinctive contributions to skill and professional development as well as of the discipline’s broader value as a social good. Together, the chapters present a nuanced picture of the current moment, in which art history’s perceived vulnerabilities intersect with (and serve) broader narratives about the humanities and higher education’s supposed failures—complexities the book examines and largely counters. Capturing a broad spectrum of contemporary art historical advocacy, 'Advocating for Art History' argues that the discipline’s future depends on art historians actively participating in shaping their institutions’ priorities, making their work visible across a variety of stakeholders both within and beyond the academy, and building collective momentum. Above all, it aims to spark reflection and essential conversations about the discipline’s future, and champions the potential for positive action. It is an essential resource for anyone invested in sustaining the humanities in higher education.

Understand how music works, from the notes on the page to the harmony behind them. Learn to read music, build chords and melodies, analyze compositions, and develop practical music theory skills with confidence

Key Features

• Build from notation and rhythm to advanced harmony, counterpoint, and modulation
• Develop skills in scales, chords, SATB writing, songwriting, and composition
• Connect theory to real music through step-by-step examples and analysis

Book Description

Learn Music Theory takes you on a step-by-step journey from reading your first notes to understanding the ideas taught in a college-level music theory curriculum.
You will begin with the building blocks of written music, learning how pitch, rhythm, notation, scales, keys, and chords work together. From there, the book gradually develops your understanding of melody and harmony, showing you how to recognize patterns, build chord progressions, and make sense of the music you read and hear. As your skills grow, you will explore how different musical lines work together, how harmony creates movement and resolution, and how composers develop richer musical ideas. Later chapters introduce more advanced techniques for writing, harmonizing, and analyzing music, including counterpoint, four-part writing, harmonic development, and changing keys. Throughout the book, practical examples and analysis of classical and popular music connect each new idea to real songs and music.
By the end of this book, you will be able to read music more confidently, understand how melodies and harmonies are constructed, analyze musical passages, and apply a connected understanding of music theory from beginner fundamentals through college-level concepts.

What you will learn

• Read traditional music notation
• Understand how music works and why we like certain sounds over others
• Songwriting, composition, and producing
• Understand seventh chords, inversions, and harmonic function
• Write melodies, chord progressions, and song structure
• Create and harmonize a melody
• Use cadences, sequences, tonicization, and modulation
• Analyze harmony and form in classical and popular music

Who this book is for

This book is for aspiring and practicing musicians, songwriters, composers, producers, instrumentalists, students, and self-learners who want a structured understanding of music theory. It starts from the fundamentals, so no prior music theory experience is required. Readers who have struggled with theory before will find a gradual path from notation and rhythm to harmony, counterpoint, voice leading, and college-level analysis. It is also useful for learners preparing for formal music study or theory examinations.

Understand how music works, from the notes on the page to the harmony behind them. Learn to read music, build chords and melodies, analyze compositions, and develop practical music theory skills with confidence

Key Features

• Build from notation and rhythm to advanced harmony, counterpoint, and modulation
• Develop skills in scales, chords, SATB writing, songwriting, and composition
• Connect theory to real music through step-by-step examples and analysis

Book Description

What you will learn

• Read traditional music notation
• Understand how music works and why we like certain sounds over others
• Songwriting, composition, and producing
• Understand seventh chords, inversions, and harmonic function
• Write melodies, chord progressions, and song structure
• Create and harmonize a melody
• Use cadences, sequences, tonicization, and modulation
• Analyze harmony and form in classical and popular music

Who this book is for

This book is for aspiring and practicing musicians, songwriters, composers, producers, instrumentalists, students, and self-learners who want a structured understanding of music theory. It starts from the fundamentals, so no prior music theory experience is required. Readers who have struggled with theory before will find a gradual path from notation and rhythm to harmony, counterpoint, voice leading, and college-level analysis. It is also useful for learners preparing for formal music study or theory examinations.

À l’heure de l’intelligence artificielle, les métiers d’art sont un bastion pour cultiver et transmettre la rareté de façon concrète et engagée. Raphaëlle Le Baud en est tombée amoureuse il y a des années. C’est auprès des artisans et des artisanes qu’elle a appris à regarder, à écouter et à transmettre. Petit éloge des métiers d’art est une promenade dans l’intimité des ateliers, mais aussi une réflexion sur l’intelligence artisanale dont les quatre pôles – technique, poésie, génie, liberté – peuvent devenir une boussole précieuse à chacune et chacun pour naviguer dans l’ère de la rareté. Raphaëlle Le Baud est une entrepreneuse engagée dans les métiers d’art. En 2010, elle a repris une maison d’éventails, puis elle a créé un laboratoire de la rareté, Métiers Rares, ainsi que The Craft Project, le média de l’intelligence artisanale. Raphaëlle Le Baud est une entrepreneuse engagée dans les métiers d’art. En 2010, elle ressuscite la maison d’éventails Duvelleroy fondée en 1827 et relance l’éventail comme accessoire de mode. Elle incarne et promeut l’intelligence artisanale et le « luxe sincère » dont elle transmet les valeurs à travers ses tribunes mensuelles dans Connaissance des Arts, ses podcasts The Craft Project et Manifeste pour un luxe sincère, ses conférences (TedxParis) et un cours sur la rareté à Sciences Po Paris.

En croisant pratique documentaire, philosophie, sociologie, analyses filmiques et entretiens, Lucie Szechter explore l’autofilmage au cinéma. Elle montre que ce dispositif n’est jamais anodin. Il engage un cadre relationnel singulier, capable de transformer les liens entre cinéastes, personnes filmées et spectateur·ices, et de proposer d’autres manières de cohabiter l’image et de « faire famille ».

Comment Bad Bunny est-il devenu l’artiste le plus écouté au monde ? De Gloria Estefan à Shakira, les Latino-Américains n’ont longtemps percé qu’à une condition : se conformer au marché américain. Mais début 2020, quelque chose se fissure. Un jeune Portoricain revendique haut et fort sa langue, son île et son identité. Dans son sillage, c’est toute une nouvelle génération, de Rosalía à Karol G, qui impose à son tour le reggaeton et l’espagnol au sommet des charts. Dans un récit vif et incarné, Mathilde Carton raconte comment la pop latino est passée de la nécessité de plaire à l’Amérique à la capacité de s’en passer Mathilde Carton est journaliste, spécialisée en culture et société. Ancienne rédactrice en chef de Grazia et de ELLE, elle collabore avec M le magazine du Monde et France 2. Elle est l’autrice de Riot Grrrl, Revolution Girl Style Now (Le Mot et le Reste, 2021), consacré au mouvement punk féministe.

Captioned Landscapes' is the first comprehensive monograph on intermedial combinations between writing and natural environments. Writing is traditionally considered as a distinctive sign of the human; interrogating its interactions with the world beyond the human means questioning its presumed centrality and separateness. The multiple angles from which these combinations are studied in this two-volume anthology are relevant for questions regarding the ontologies that structure the relationships between human and non-human, as well as for questions of ideology, interculturality, memory, gender and the postcolonial. Landscape reception studies usually assume not only a distinction but also a separation between the human and the non-human, attributing the privilege of subjectivity only to the former. This dualistic paradigm has been recently replaced by intermedial ecocriticism, which conceives the relationship between human and non-human as a negotiation without rigid and pre-established roles. However, attention has been focused so far on the representations (verbal, but also visual) of these relationships. In this monograph, for the first time, instead of representations of natural environments (in writing or other media), intermedial combinations between writing and landscapes are taken into account; particular attention is also paid, in the second volume, to verbal and visual representations of these combinations. The book addresses Intermedial and Visual Studies and Environmental Humanities scholars. Because of the specific focus on combinations of writing, landscape, and verbal and visual representations of the latter, the book is also aimed at scholars of Literature, Garden and Landscape Design and History, and Visual Arts. By virtue of the case study approach in the chapters and the general theoretical framework provided in the introduction, the book also addresses students of all these disciplines.

‘Psychoanalyzing the Post-Apocalypse: Psychoanalytic Approaches to 21st Century Fiction and Film’ offers an interdisciplinary exploration of contemporary post-apocalyptic literature and cinema through psychoanalytic theory. Bringing together studies of major novels, films, and television series, the volume demonstrates how Freudian, Lacanian, Jungian, and post-Lacanian perspectives illuminate recurring themes such as trauma, desire, mourning, identity, repression, survival, and psychic renewal in worlds shaped by catastrophe. The collection distinguishes itself by applying diverse psychoanalytic frameworks to a broad range of twenty-first-century texts, including "Oryx and Crake," "The Stone Gods," "Station Eleven," "War of the Worlds," "Vesper," "The Road," "The Leftovers," and "2012". Rather than offering generalized discussions of apocalypse, each chapter provides a theoretically grounded analysis of a specific work, revealing how narratives of collapse reflect contemporary anxieties while also imagining new forms of subjectivity, ethical relations, and resilience. Positioned at the intersection of psychoanalytic criticism, literary studies, film studies, and cultural theory, the volume advances current scholarship by foregrounding the psychological dimensions of post-apocalyptic storytelling and demonstrating the versatility of psychoanalytic approaches in interpreting ecological, technological, and existential crises. It contributes an original perspective to the growing body of research on post-apocalyptic fiction by integrating multiple psychoanalytic traditions across diverse media and cultural contexts. The book will serve as a valuable resource for researchers, graduate students, and advanced undergraduates in literature, film, media, psychoanalysis, and cultural studies. It is equally suitable for classroom adoption in courses on contemporary fiction, speculative literature, adaptation, and critical theory, while offering scholars a methodological framework for future interdisciplinary research on apocalypse and the human psyche.

Sous la direction de Christian Wasselin et Pierre-René Serna.

Qui est réellement Hector Berlioz (1803-1869) ? Un compositeur, bien sûr. Mais aussi un chef d'orchestre, un théoricien, un journaliste, un polémiste, un écrivain. Mais encore un voyageur et un aventurier. Berlioz est bien vivant. Mais encore son oeuvre est-elle écoutée, interprétée, considérée ?

Ce Cahier contient un ensemble d'articles et d'entretiens consacrés à Berlioz. Il s'agit de textes inédits en français et dus aux auteurs qui connaissent le mieux l'oeuvre et la personnalité de Berlioz. Ces sont des articles d'un propos original, à vocation intemporelle, qui s'adressent moins à des techniciens de la musique qu?à des mélomanes éclairés.
Il comporte également des textes littéraires de Christian Wasselin, Charles Ofaire, Béatrice Didier ou Gérard Condé, qui permettront de comprendre l'impact de Berlioz bien au-delà de la musique.

Attention : veuillez noter que le texte de Paul Claudel figurant dans le sommaire n'est pas accessible.

Sous la direction de George Banu.

L'opéra a retrouvé ses fidèles et le théâtre ses stars. La renaissance des deux arts réhabilite les symptômes de la gloire de jadis, du passé de chacun. La mémoire participe donc pleinement à cette reconquête symbolique de la cité et de son imaginaire.

Ce cahier de L'Herne constate et analyse la portée de la mémoire pour les deux arts, opéra et théâtre. Et cela à l'aide d'une suite d'essais brillants qui s'articulent autour d'un motif commun, le motif du « temps retrouvé ». De Mozart à Verdi, de Massenet à Wagner, d'Artaud à Strehler, de l'Italie au Japon - un thème avec variations traverse le numéro. C'est le thème de la mémoire qui s'incarne, de la mémoire qui palpite dans une voix glorieuse ou dans un alexandrin noblement scandé, dans une vieille mélodie qui remonte le temps ou dans un rideau qui tombe. Parler de la mémoire c'est aussi parler de la mythologie des scènes, d'opéra ou de théâtre.

Le Cahier réunit les noms des essayistes les plus prestigieux qui, à partir des questions précises ou des spectacles récents, dressent la carte magique, et forcément inachevée, de la mémoire à l'opéra et au théâtre. Une mémoire imaginaire, fruit des noces du rêve et de l'histoire.

À travers l'ensemble de ces textes qui témoignent de l'intérêt qu'éprouvent aujourd'hui pour le temps les arts du spectacle, on devine un esprit, l'esprit de la Recherche proustienne.

Textes de Georges Banu, Bernard Dort, Monique Borie, Jean-Michel Déprats, Gilles de Van, Jacques Joly, Anne-Françoise Benhamou

Numérisation réalisée avec le soutien du CNL.

Dirigé par Constantin Tacou.

Textes de : Michel Haar, Gaston Bachelard, Georges Duby, Mircea Eliade, Henry Corbin, Pierre Faye, Jean Gouillard, Walter Gropius, Martin Heidegger, Georg Simmel, J.L Chrétien, Yves Klein, Le Corbusier, Franck Lloyd Right, Gabriel Liiceanu, Antonio Sant’Elia, Piet Mondrian, Casimir Malévitch, Le Corbusier, Walter Gropius, Frank Lloyd Wright, Horia Damian, Jean Pierre Raynaud, Pierre Restany, George Simmel, Philippe Sollers, Victor I. Stoichita, Radu Varia, Jean-Pierre Faye.

Ainsi que des lectures analytiques de : Platon, Aristote, Vitruve, Saint-Augustin, Hou-Han-shu, Léon Battista Alberti, Antonio Averlino dit Le Filarete. Francesco di Giorgio Martini, Léonard de Vinci, Andrea Palladio, Giorgio Vasari le jeune, Vincenzo Scamozzi, Thomas More, Rabelais. Anton Francesco Doni, Johann Valentin Andreae, Ludovico Ayostini, Tommaso Campanella, Descartes, Cyrano de Bergerac, Fénelon, Jonathan Swift, Charles Fourier, Étienne Cabet, Camillo Sitte, Ebenezer Howard et Tony Garnier.

Numérisation réalisée avec le soutien du CNL.

Dirigé par Jacques Berne.

Aucun peintre n'a laissé à la postérité tant de commentaires sur son oeuvre que Jean Dubuffet. Imposant, clairvoyant appareil critique. Trop imposant, trop clairvoyant, qui ne manque sans doute pas d'influencer la vision que nous avons de son oeuvre et de nous empêcher même d'imaginer la vision que nous en aurions pu avoir. Nous ne pouvons en parler innocemment, c'est-à-dire avec le droit à l'erreur que l'ignorance suppose. Nous en parlons donc en état de culpabilité. Vis-à-vis de ses propres commentaires si nous nous en écartons. Vis-à-vis de nous mêmes si nous les prenons en considération avant même de regarder l'oeuvre en cause. Il est tentant, voire obligatoire, d'établir un rapprochement entre le texte original - les tableaux, sculptures, monuments - et sa traduction - cette somme d'écrits critiques rassemblés dans les deux tomes des Prospectus et tous les écrits suivants. I1 serait tentant de le faire si nous pouvions échapper à la contrainte de devoir rapprocher les uns des autres, et à la limite, faire coïncider l'écrit et la peinture. Car si Jean Dubuffet affirme avoir écrit ces textes d'une part pour satisfaire la curiosité des journalistes, qui voulaient qu'il s'explique sur ses travaux, et d'autre part pour le plaisir de quelques amateurs, on pourrait observer que l'écrire chez Jean Dubuffet constitue une sorte d'accompagnement qui fait écho à ses peintures, qui leur sert de contrechamp. L'écrire, ici, joue-t-il le rôle d'une parole complémentaire qui surfilerait un discours principal ? Les linguistes ont-ils défini ce qui d'un message est indispensable à la communication : ses traits pertinents ou ses redondances ? Dans l'oeuvre de Jean Dubuffet quels sont les traits pertinents, quelles sont les redondances ? A moins que ses écrits ne soient l'équivalent d'une seconde articulation, permettant à l'ar d'accéder au statut de langage qui lui demeure habituellement contesté ?

Numérisation réalisée avec le soutien du CNL.

Beethoven’s Freude theme—or “Ode to Joy”—is perhaps the most iconic melody ever created. This book sets out to show why the Freude theme has acquired this almost mythic status and what its use in the finale of the Ninth Symphony reveals about the mechanics of tonal composition. The book explains how the finale of the Ninth Symphony offers a crash course in music theory made possible by Beethoven’s extensive training with Neefe, Haydn, Albrechtsberger, and others, and his enormous library of theory treatises, by the likes of Fux, C. P. E. Bach, Riepel, and Koch. That course covers everything from the basics of tonal voice leading and motivic development to advanced topics such as double counterpoint, canon, and ars combinatoria. The book also draws on details from his own students such as Ries and Czerny.

De-globalizing the Art World examines the political and aesthetic transformations of global contemporary art from the 1990s to the present. Centered on documenta fifteen and the controversies surrounding ruangrupa’s lumbung model, the book traces how Indonesian artistic collectives, Palestinian cultural institutions, and curatorial experiments navigated the shift from post–Cold War globalization to today’s fractured landscape of de-globalization and renewed claims to rootedness. By analyzing tensions between postcolonial critique, German memory politics, and NGO-driven cultural infrastructures, the book situates contemporary art within the broader contradictions of financialization, sovereignty, and affect. Offering both historical depth and critical intervention, this book illuminates how the art world’s infrastructures of solidarity, militancy, and collectivism have been transformed—and constrained—over the past three decades.

Explores how contemporary Nigerian theatre, literature, film, music, and digital platforms confront the status quo, express postcolonial identity, and foster cultural and political discourse. Emerging Voices on Nigeria’s Literary, Filmic and Entertainment Platforms offers a groundbreaking exploration of contemporary Nigerian creativity. This edited volume brings together fresh, scholarly perspectives on how a new generation of writers, filmmakers, musicians, and artists is reshaping the cultural landscape. From dissecting the revolutionary narratives in Chimamanda Ngozi Adichie’s Purple Hibiscus and the radical scenography of Dele Odule’s theatre, to analyzing the potent socio-political commentary in Nollywood and the Afrobeat revolution of Fela Kuti, this book covers vast intellectual terrain. It boldly tackles urgent issues such as gender ideology, marital violence, the Niger Delta struggle, and the global influence of Nigerian soft power. Essential reading for scholars of African studies, media, and postcolonial literature, this collection signals a vibrant and critical new direction in understanding Nigeria’s powerful and evolving artistic voice. This edited collection serves as a critical intervention in the discourse on contemporary Nigerian culture. Edited by Alex Chinwuba Asigbo and Gloria Emeagwali, the volume assembles a cadre of scholars to interrogate the dynamic intersections of literature, film, theatre, and music within the Nigerian context. Structured into two thematic sections—“Gender, Power and Cultural Resistance” and “Entertainment, Education and Nation-Building”—the chapters engage with a diverse range of primary sources. The analysis spans from the literary fiction of Olu’Dolapo and Stephen Inegbe to the cinematic narratives of Nollywood and Dan Kpodoh; from the revolutionary theatre of Dele Odule and James Heritage Umana to the musical legacies of Fela Kuti and modern-day artistes. By prioritizing emerging critical voices and contemporary subject matter, including the reception of African culture on Netflix, this book provides an indispensable resource for understanding the complexities, resistances, and innovations that define modern Nigerian artistic production and its role in national and global dialogues.

Le Québec et l'ensemble de la francophonie ont été grandement touchés par le décès de Serge Fiori à l'âge de 73 ans, le 24 juin 2025. Un an plus tard, le musicologue Danick Trottier revient sur la vie du musicien, sur sa vision artistique et sur la façon dont il a pensé une musique unique avec le projet collectif qu'a été Harmonium. L'essayiste se penche principalement sur les années 1970, sur l'œuvre créée au fil d'un parcours semé de succès, mais aussi d'embûches, et sur l'engouement extraordinaire qu'elle a créé. Il rappelle les sources de motivation de l'auteur-compositeur-interprète et rend compte, notamment, de la façon dont son oeuvre a résonné au plus profond de l'expérience québécoise, à une époque où le lyrisme et le droit de rêver teintaient le rapport au monde.

Qu'ont en commun Jacques Brel, Salvatore Adamo, Pierre Rapsat, Maurane, Arno, Jean-Luc Fonck, Axelle Red, Saule, Suarez et Stromae, sinon de représenter en chansons et en français, chacun à leur façon, une certaine idée de la Belgique ?

Depuis plus d'un demi-siècle, ce «pays petit» exporte un nombre exceptionnel d'artistes. Plus récemment, on assiste à l'affirmation grandissante d'une identité belge portée fièrement aux quatre coins de la planète, à l'image d'un Stromae formidablement créatif, original, actuel et symbolique.

Peut-on pour autant parler de chanson belge ?

A PROPOS DE L'AUTEUR

Thierry Coljon est journaliste depuis une quarantaine d’années pour le quotidien belge Le Soir. Il y est responsable de la rubrique « musiques non classiques ». Il a également publié une vingtaine d’ouvrages : des romans, mais aussi des biographies d'artistes tels qu’Adamo, Pierre Rapsat, Sttellla, Maurane ou Carla Bruni, ainsi que des anthologies de musique belge.

Cet essai de critique musicale analyse le renouveau du rap marseillais de la dernière décennie. Il s’ouvre sur un tournant : 2015, deuxième âge d’or du rap français, auquel contribuent largement les rappeurs de Marseille. Fondé en partie sur des interviews menées avec des acteurs de la scène rap phocéenne à cette période, le livre raconte les succès nationaux de Jul et SCH, mais aussi l’essor du rap des quartiers sud, les nouvelles têtes d’affiches des quartiers nord, le couronnement des anciens et la créativité de la nouvelle garde. En donnant la parole à ses acteurs, qu’ils opèrent dans l’ombre ou la lumière, et aux œuvres, le livre rend compte de la richesse et la variété d’une ville souvent réduite à des clichés. Emmanuelle « Manue » Karinos Vasquez est critique musicale et docteure en sciences sociales. Ses recherches portent sur les liens entre art, pouvoir et violence. Originaire des Bouches-du-Rhône, elle couvre le rap français et plus particulièrement la scène phocéenne depuis dix ans, essentiellement au sein du webzine spécialisé l’Abcdr du Son. En 2020, elle a co-dirigé avec Karim Hammou l’ouvrage Perspectives esthétiques sur les musiques hip-hop aux Presses Universitaires de Provence.

Alex Jaffray, compositeur, producteur et conteur passionné de musique, nous embarque dans un voyage intime et drôle à travers les disques qui ont changé sa vie... et peut-être la vôtre.

Avec le ton complice et curieux qu'on lui connaît, il mêle culture pop et introspection, anecdotes de studio, histoire de la musique et confidences personnelles pour dresser l'autoportrait musical d'une génération : celle qui a grandi en vinyle, aimé en CD et rêvé en streaming. Des albums poncés jusqu'à l'usure, des pochettes cornées mais vénérées.

Chaque chapitre est un disque, une chanson, une époque, un souvenir, une rencontre, une émotion stéréo : de la première claque du Köln Concert de Keith Jarrett aux effluves de cigarettes qui font rire devant le concert mythique de Supertramp au Parc de Sceaux, en passant par Stevie Wonder, Elton John, Marvin Gaye ou William Sheller... Nous avons tous un disque qui nous ramène instantanément à un visage, un lieu, une émotion.

« C'est con que Gutenberg n'ait pas inventé le livre plus tôt. » Jean-Seb Bach

« Il nous aura fait du souci, le petit, avec son walkman collé sur les oreilles. » Yveline Jaffray

« Ça manque de titres rock ! » Philippe Etchebest

« Je ne le connais pas, mais on m'en a dit beaucoup de mal. » Anonyme sur Instagram

« Un travail de fourmi. » Bernard Werber

« Tu penseras à passer chez le coiffeur. » William Leymergie

Alex Jaffray est chroniqueur musical dans l'émission « Télématin » sur France 2, fondateur de l'agence sonore Start-Rec - il a mis en musique de nombreux films et signatures musicales de grandes marques - et créateur du spectacle Le Son d'Alex.

Explores Bollywood cinema’s aesthetic, cultural and corporeal dimensions across foundational genres, iconic performers and diasporic narratives, highlighting the interplay of narrative, poetry, the body and national and transnational identities. The first substantive chapter of the book recovers the special allure of Parsi theatre and the role of the Muslim courtesan in Bollywood cinema. If the first provided a foundational cinematic scaffolding, the Muslim courtesan films gave the cinema its very special quality, more immediately the language of poetry in Urdu. There was nevertheless a tragic quality to the Muslim courtesan films and that tragic quality was given structural form through the ‘Devdas’ movies of the sentimental man of feeling whose life is marked by loss, failure to find the object of love and finally sacrifice in death. Beginning with Chapter Two the book offers three genres that are foundational to any serious reading of Bollywood cinema. The first, dealt with in Chapter Two, is the genre of the Arabian Nights tales in as much as these fantasies provided a narrative base that emphasised India’s own inter-connected and diverse cultural heritage. The second, Bollywood mythologicals, examined in Chapter Three express what may be called the religio-cultural dominant of the nation. The third, examined in Chapter Four, is the disturbing fantasy of the darker, Gothic, side of humanity. However, when it came to the latter’s transformation in the established melodramatic genre of Bollywood, the Gothic took the form of reincarnation tales. The book is defined by the correspondence between cinema and one’s passionate, sensual and even libidinal relationship to it. The corporeal aesthetic is read through two exemplary actors: Helen and Shammi Kapoor. They occupy Chapters Five and Six of the book, and both chapters have as their central theme precisely the question of the body in cinema and its articulation or representation either as an allegory of lived experience or as a redefinition of affective or precognitive understanding of the nation. Against the earlier emphasis on doctrinaire ethics, allegorical masculinity and nationalist ideology via a socialist realism, the libidinal enjoyment of the spectatorial image led to sensual delight and an understanding of the hitherto undertheorized aesthetic possibilities of the body in cinema. The final substantive chapter (Chapter Seven) examines a dramatic turn during the first ten years of the third millennium. The book frames this shift with reference to elements of the diasporic imaginary captured in some of the films of the period and foreshadowed in the Prologue. In these films, Bollywood cinema unobtrusively enters the life-worlds of the burgeoning Indian diaspora and brings it into its own socio-political sphere. It is also a cinema where, beyond the confines of the Indian nation, the diaspora looks back at the homeland as a space of redemption as well as creativity but without uncritically embracing the jingoism and propagandist historical distortions that have in recent years confounded socio-political norms and bedevilled the nation via films like The Kashmir Files (2022), Chhaava (2025) and Dhurandhar (2025).

L’institution du patrimoine, qu’elle concerne des collections, des monuments, ou encore des manifestations immatérielles, fait appel à des valeurs en principe partagées au sein d’une société : savantes, politiques, religieuses, idéologiques, esthétiques. Communément, son effet aujourd’hui est identifié à un développement culturel, associé à des activités qui vont de l’histoire publique à l’économie du tourisme. Pour autant, des origines à nos jours, la patrimonialisation a suscité amitiés et inimitiés, débats et controverses autour de représentations ou de faits jugés difficiles ou dissonants. Chacune des dix études réunies ici s’applique à examiner un exemple de ces transformations récentes du patrimoine qui ont suscité des controverses plus ou moins aiguës, à la lumière de l’histoire, de la géographie ou des études culturelles. Le livre, construit dans le dialogue franco-allemand, privilégie les riches matériaux que fournissent les deux histoires nationales. Mais il s’intéresse aussi à des phénomènes mondialisés, comme l’interprétation de l’âge atomique, la réflexion post-coloniale, ou l’intérêt inédit pour les ruines industrielles. Dans tous les cas, il s’agit d’éclairer les enjeux des intérêts et des pratiques que révèlent à chaque instant les reconfigurations changeantes de l’effet patrimoine.

Retrouvez le Roi de la Pop à travers plus de 500 lieux mythiques !
Le livre Sur les pas de Michael Jackson est le premier guide de voyage consacré à la star ! Il regroupe des centaines de lieux, répartis sur de nombreux pays (USA, Royaume-Uni, France, Japon, Australie, Allemagne, Suisse, Pays-Bas, Belgique, Italie, Espagne, Afrique, Europe de l'Est, Amérique du Sud...). Parmi ces lieux présentés, des endroits où Michael est passé, s'est produit, des places à son effigie, des statues hommages, des boutiques à ne pas manquer... Ce guide donne à ses lecteurs des infos pratiques sur chacun des lieux à visiter, des détails sur ses liens avec le Roi de la Pop ainsi que des informations historiques et architecturales sur les lieux présentés. Sur les pas de Michael Jackson est un livre à emmener lors de vos voyages. Il s'utilise en déplacement (son format pratique en numérique vous permet de l'emmener avec vous) ou bien avant votre voyage pour préparer votre parcours. Mais il peut aussi se lire comme n'importe quel livre... comme une biographie géographique. 
Un guide de voyage incontournable pour tous les fans de Michael Jackson ! 
À PROPOS DES AUTEURS
Sur les pas de Michael Jackson est un guide écrit par Antoine Cadinot, chargé d'études à Paris et fan français de Michael Jackson, et Christophe, fan belge cofondateur du site MJBackstage depuis 1999. La rencontre de ces deux fans inconditionnels de la star a permis, après plus de deux ans de préparation, la publication d'un guide richement documenté, nourri des visites de certains lieux par les auteurs et de leurs recherches assidues. Antoine Cadinot et Christophe, intarissables sur le sujet, nous emmènent avec eux dans ce voyage sur les pas de l'icône de la pop. 
CE QUE LA PRESSE ET LES FANS EN DISENT
« Jamais vu auparavant, il s'agit pour la toute première fois d'un guide de voyage destiné aux fans de Michael Jackson. » - mjfrance.com
« D’un format très pratique pour le voyage, clair et lisible, Sur les pas de Michael Jackson saura certainement trouver une place dans votre bibliothèque ou dans votre sac de voyage. Car, même si vous ne partez pas réellement sur ses traces, vous pourrez vous donner l’impression de voyager un peu quand même. » - mjlegend.com
« Sur les pas de Michael Jackson est un véritable guide du routard pour fans du légendaire interprète de "You Rock My World". » - RTL.fr

À l'heure du tout numérique où la production d'images s'avère si aisée et si abondante, s'installer en tant que photographe indépendant est une gageure, tant les statuts sociaux et fiscaux du photographe sont complexes. Et dans ce contexte, vendre ses images sans sous-évaluer son travail relève du défi.

Parce que pour vivre de son talent et de son oeil de photographe, il faut savoir non seulement compter, développer son activité, négocier ses tarifs, mais aussi démarcher ses clients, et défendre son travail et ses prix, cet ouvrage de référence guide le lecteur photographe - véritable chef d'entreprise, tour à tour gestionnaire, fiscaliste, avocat, comptable ou bien encore commercial - pour trouver les meilleures solutions selon sa situation.

De la déclaration d'activité au choix d'une couverture sociale, des devis à la facturation des travaux et rémunération des modèles, des éléments comptables et commerciaux au droit des tiers, ce livre rassemble conseils pratiques et documents administratifs annotés pour aider l'indépendant à lancer, puis à gérer son activité, quel que soit le coeur de son métier (photographie sociale, corporate, photojournalisme, vente d'oeuvres...).

Un guide indispensable, régulièrement mis à jour, à consulter au quotidien !

Depuis les années 1970-1980, la bande dessinée connaît un essor notable dans le sud-ouest de l’océan Indien. À travers récits en cases, romans graphiques ou bandes dialoguées, les auteurs y traduisent une vision singulière de leur environnement et des réalités culturelles propres à la région. Cet ouvrage propose une lecture croisée de l’histoire de la bande dessinée dans ces territoires, en soulignant leurs particularités respectives. Il explore également la manière dont ce médium traite des enjeux majeurs partagés par les îles de la zone : esclavage, engagisme, guerres mondiales, mouvements nationalistes ou encore problématiques sociales contemporaines. Ces thématiques permettent de confronter histoire et mémoire, en particulier à travers les œuvres récentes, nombreuses à La Réunion, qui mettent en lumière des questions mémorielles sensibles, comme celle des « enfants de la Creuse ». C’est ce parcours entre récit graphique, mémoire collective et histoire régionale que nous invitons le lecteur à découvrir.

Pendant plus de quarante ans, Jean-François Leroy a scruté des millions d’images venues du monde entier. Des images arrachées aux guerres, aux révolutions, aux catastrophes, mais aussi à la vie ordinaire, aux manifestations de solidarités face aux injustices. Nul autre, sans doute, n’en a vu autant que lui. Fondateur du festival international Visa pour l’image à Perpignan, il a été l’un des témoins privilégiés des grandes mutations du photojournalisme, de l’âge de l’argentique à celui du flux numérique.

Dans ces conversations avec la journaliste et autrice Isabelle Fougère, il revient librement sur sa vie au plus près du photojournalisme : ses figures marquantes, ses engagements, ses doutes aussi. Il raconte les choix éditoriaux, les images que l’on montre et celles que l’on ne montre pas. Car regarder n’est jamais un geste neutre. À l’heure où des milliards d’images sont produites chaque jour, où les réseaux sociaux et l’intelligence artificielle bouleversent notre rapport au réel, que reste-t-il du devoir de regarder?

Ce livre est labellisé Bicentenaire de la Photographie par le ministère de la Culture et s’inscrit dans la programmation officielle du Bicentenaire du 1er septembre 2026 au 30 septembre 2027

Les clés pour vivre de la photo de mariage et devenir l'entrepreneur que vous rêvez d'être.

Un jour, une petite étincelle se produit dans votre esprit. Elle vous affirme qu'un autre avenir professionnel est possible. Vous la mettez de côté, mais elle reste là, tenace, prête à resurgir. Et là, comme Neo dans Matrix, vous devez faire un choix.

• Pilule bleue : vous gardez votre travail stable et rassurant, et ce regret de ne pas avoir tenté l'aventure.

• Pilule rouge : vous lâchez tout pour vivre de la photo de mariage. À vous la vie tumultueuse d'entrepreneur !

Ce livre est cette pilule rouge. Il vous donnera les clés pour bousculer votre quotidien et toutes les bases pour vivre de la photographie de mariage. Il sera votre guide autant dans les moments d'euphorie que lors des traversées du désert.

Ouvrez-le et découvrez comment :

• comprendre qui vous êtes et ce que vous voulez vraiment pour votre avenir;
• passer à l'action sans attendre avec des exercices pratiques et concrets;
• résister au découragement qui freine beaucoup de nouveaux entrepreneurs avec des témoignages de photographes débutants et expérimentés;
• créer des produits et des tarifs qui vous permettront de vendre plus facilement;
• signer des mariages avec les clients que VOUS souhaitez;
• préparer et réaliser vos prestations pour rendre vos clients heureux.

Entièrement remaniée, cette nouvelle édition reflète les évolutions du marché, les nouvelles attentes des couples et leur rapport aux prestations comme aux tarifs. Elle aborde également les transformations liées à l'essor de l'IA et montre comment intégrer efficacement cet outil à votre flux de travail.

Trop souvent réduite à un envers négatif de la clarté et du visible, l’obscurité s’avère remarquablement féconde dans les domaines artistique et littéraire. C'est cette fécondité qui est explorée à partir d'œuvres provenant d’époques diverses, du xviiie au xxie siècle, et dans des aires géographiques et culturelles variées, du Congo à la Suède, en passant par l’Espagne, l’Italie et la France. La perspective adoptée est résolument interdisciplinaire, l’obscurité nourrissant à parts égales la littérature, le théâtre, la philosophie, la musique et les arts visuels. L’obscurité, ou plutôt les obscurités, du flou à la tache d’encre, du clair-obscur à la nuit noire.Ainsi se révèlent sa richesse et sa diversité : elle est non seulement une image ou un symbole (celui d’époques troublées, de traumatismes individuels ou collectifs), mais aussi le lieu d’expériences métaphysiques et esthétiques, de révélations paradoxales, d’égarements et de tâtonnements toujours fructueux.

Qu’est-ce qu’un diagramme ? Il s’agit d’une notion dont les architectes s’emparent volontiers, que ce soit dans le cadre d’un discours sur les stratégies de design ou pour expliciter des projets accomplis. Parlons-nous, cependant, tous de la même chose en prononçant le mot « diagramme » ? Les efforts pour fournir une définition du diagramme se heurtent inévitablement à sa double signification – comme objet graphique ou comme outil conceptuel – ainsi qu’à la multitude de ses « versions », parfois incompatibles entre elles.« Si les tentatives pour répondre à la question “Qu’est-ce que l’art ?” tournent de façon caractéristique à la frustration et à la confusion, peut-être [...] la question est-elle une fausse question », écrit Nelson Goodman à propos de l’art. Et si rechercher une définition du diagramme constituait également une « fausse question » ?Ce livre expérimente en effet un changement, ou plutôt un déplacement, de la question. Qu’est-ce qu’un diagramme ? devient Quand y a-t-il diagramme ? Formulée ainsi, la question oriente vers l’exploration de la condition circonstancielle et transitoire du diagramme. Cela revient à affirmer que l’objet ne parle pas par lui-même : rien n’est un diagramme de façon fixe et stable.C’est ainsi que l’investigation concerne des « papiers » d’architecte au sens large, qui fonctionnent – parfois – comme des diagrammes.

Qu’est-ce que l’histoire de la photographie et comment devient-on historien de ce médium ? Depuis les années 1980, l’histoire de la photographie s’est profondément transformée sous l’effet d’une nouvelle génération de chercheurs et de chercheuses qui ont commencé à relire une discipline entrée dans le champ universitaire par l’histoire de l’art. Des revues spécialisées ont vu le jour et des institutions historiques sont devenues le lieu d’un renouvellement méthodologique et théorique inédit. L’histoire de la photographie s’institutionnalisait et s’affirmait dans le paysage de l’histoire de l’art et des études visuelles. Quelles ont été les grandes questions de la discipline, quels en ont été les acteurs, les supports de diffusion ? Paul-Louis Roubert parcourt quelque trente années de la formation de cette discipline en France à travers son itinéraire d’historien de l’art, dont l’objet principal a été de revisiter les mythes modernes que l’histoire de la photographie s’était elle-même forgés. Récit d’apprentissage tout autant qu’inventaire de la discipline, cette histoire est celle d’une utopie encore vive : celle de faire de l’histoire de la photographie une discipline universitaire affranchie de l’histoire de l’art.

Les musiques japonaises résultent de processus complexes où se croisent transferts culturels et rapports de force articulés à différentes échelles, entre le local et le global, le national et l’international. Du gagaku au jazz, de l’enka à la J-pop et au hip-hop, des chants scolaires aux avant-gardes, en passant par l’influence culturelle et économique de Yamaha, les répertoires folkloriques d’Okinawa et des Aïnous, ainsi que les pratiques musicales des communautés nippo-brésiliennes, chaque contribution de cet ouvrage révèle comment, du xixe siècle à nos jours, la musique interroge les frontières sociales et symboliques du Japon moderne et contemporain, les centres et les marges, les passages et les assimilations. Elles invitent ainsi à considérer la musique japonaise non comme une entité homogène, mais comme profondément plurielle. Réunissant les travaux indépendants mais complémentaires de chercheurs français et internationaux issus de disciplines diverses, Musiques au Japon : syncrétismes et résonances du xixe siècle à nos jours offre un panorama inédit en langue française de la recherche actuelle sur les musiques japonaises.

Ce livre vise à réaffirmer l’importance centrale de la création artistique personnelle dans la recherche en arts, et donc dans les exigences du master, de la thèse de doctorat, ainsi que de l’Habilitation à diriger des recherches à l’École des arts de la Sorbonne de l’Université Paris 1. Il s’agit de partager avec les étudiants et le public notre vision de la création-recherche, ses méthodologies, et d’examiner son évolution depuis l’année 1970 (date du premier doctorat en arts plastiques), jusqu’à son état actuel. Les contributions des directeurs et directrices de recherche de l’École doctorale APESA illustrent ici, chacune à sa manière, la richesse artistique et la fécondité conceptuelle de cette diversité de pratiques et de regards. Les textes réunis ici ouvrent à une réflexion sur la place de la théorie face à la pratique et analysent les méthodologies propres aux doctorats en création. L’ensemble met en lumière comment les artistes se positionnent en tant que chercheurs et comment les savoirs issus de la pratique artistique peuvent entrer en dialogue avec d’autres disciplines telles que la philosophie, l’anthropologie, la sociologie ou l’histoire de l’art, mais aussi en résonance avec des champs disciplinaires plus éloignés comme la biologie, la géographie ou l’économie.

En histoire de l’art, le décor de l’autel a longtemps été étudié au prisme de ses riches devants orfévrés ou des retables sculptés et peints. À la fin du Moyen Âge, néanmoins, une grande concentration de textiles entourent l’autel dans l’espace ecclésial : nappes, dossiers, antependia, dais, courtines et tapis. D’autres encore, comme le corporal ou la pale, nouvel objet élaboré au xve siècle, jouent un rôle de premier plan dans la manipulation et la mise en valeur des espèces consacrées, lieux de la présence réelle du Christ.Cet ouvrage interroge de concert ces différents parements et linges, dont certains n’ont que très rarement été intégrés à une réflexion plus générale sur le mobilier liturgique, et réévalue leur importance dans la définition visuelle de l’autel gothique en Europe occidentale, et particulièrement en France. L’approche dite « ritologique » vise à étudier ces textiles en croisant leur matérialité, leurs usages et le discours porté sur eux, en relation avec les acteurs qui les manipulent et les autres objets avec lesquels ils entrent en contact. Julie Glodt démontre ainsi la conception avant tout ornementale des textiles dans l’église médiévale qui, par leur amovibilité et leur diversité, contribuent à intensifier certains moments de l’année et du rituel ainsi qu’à construire un lieu propre à la célébration eucharistique.

Compositeur, producteur, défricheur... Au fil des années, Laurent Garnier est devenu l’icône française de la culture techno. Des clubs aux festivals en passant par les raves, il a réussi à faire des musiques électroniques, autrefois marginalisées, la dernière grande révolution musicale en date. Aussi populaire qu’infatigable, le DJ n’a cessé de défendre une vision sensible, collective et politique de la musique. À l’heure où Garnier s’interroge sur son héritage, ce livre propose à la fois le portrait d’un pionnier, et un manifeste pour la danse, la fête, la nuit. Philosophe née en 1987, Mathilde Ramadier est autrice d’essais, dont Vivre fluide, et scénariste de bandes dessinées (La Belle de Mai, Rêves syncopés...). Passionnée depuis l’adolescence par les musiques électroniques et l’arpentage des dance floors, ces lieux d’utopie et de lutte, elle a vécu douze ans à Berlin, et a assisté à de nombreux sets de Laurent Garnier. Mathilde Ramadier est autrice d’essais et scénariste de bandes dessinées. Avec une quinzaine d’ouvrages publiés, elle s’intéresse aux grands enjeux de notre société : l’écologie, le féminisme, le monde du travail, la santé psychique… mais sa première passion reste les musiques électroniques et l’arpentage des dancefloors. Ce livre est un retour logique à son tout premier paru : Rêves syncopés, une BD qui retrace l’histoire de la techno par le prisme de l’expérience de Laurent Garnier.

Comment aborder la question de la qualité dans l’architecture ? Comment, par ailleurs, introduire la notion du temps dans ce rapport à la qualité ? Ce texte est la première ébauche d’une pensée en cours de construction, d’une nouvelle manière d’aborder l’architecture. Il n’a pas vocation à imposer une doctrine, mais à ouvrir un champ de réflexion, de résistance, de création. Cette posture est universelle, elle s’applique à toutes les cultures, à toutes les situations historiques, patrimoniales et géographiques. Cet essai est un soutien à la conception, les propositions de ce manifeste ne sont pas des objectifs absolus à atteindre, mais doivent offrir un espace de liberté pour interroger continuellement l’architecture et comment la « vivre » harmonieusement dans nos sociétés actuelles.

L’ouvrage présente les voies multiples ouvertes par les sculptrices, du XIX siècle à nos jours dans l’invention de la sculpture moderne et contemporaine. L’analyse de la vie, des œuvres et des carrières de ces artistes du monde entier montre ce qu’il fallut de détermination et de talent pour s’émanciper et tracer sa voie. La réussite qui couronna certaines carrières s’est inscrite, tout au long de leur vie, dans des réseaux féminins, amicaux et professionnels, à redécouvrir eux aussi. Une histoire renouvelée et internationale de la sculpture s’inaugure ainsi.

Tout au long de son parcours, Scorsese s'est appliqué à filmer des hommes qui tombent et se blessent, à vouloir porter une croix bien trop lourde pour eux, lestés par l'ambition, le désir de sainteté ou la culpabilité.

Pour ces personnages enragés, survivre est un état naturel, et la passion sous toutes ses formes, le moteur de leur vie. Martin Scorsese leur ressemble. Leur rage est la sienne.

Il n'a par ailleurs, jamais oublié ce qu'il devait au cinéma et à la spiritualité. Ces deux passions ont donné une raison d'exister à l'enfant souffreteux des années 1940, à l'étudiant enthousiaste des années 1960 et, bien sûr, à l'artiste qui oeuvre depuis plus d'un demi-siècle.

Aurélien Clappe, dans ce passionnant récit, nous invite au coeur de la vie et de la filmographie de Scorsese, Il évoque l'interrogation qui le poursuivra toute sa vie, lui qui, dans sa jeunesse, avait envisagé de devenir prêtre : Quel est le sens de la Passion ?

Ses films ont révélé l'évolution de la réponse qu'il apporte à ses questionnements. Aujourd'hui, enfin apaisé, il évoque sereinement sa foi chrétienne.

Celui qui se perd dans sa passion perd moins que celui qui perd sa passion (Saint Augustin).

Nico fut à la fois égérie des plus grands, Bob Dylan, Brian Jones, Lou Reed, Jim Morrison, et interprète de classiques incontestés du rock avec le Velvet Underground, « Femme Fatale », « All Tomorrow’s Parties » ou « I’ll Be Your Mirror ». Elle est aussi l’auteur d’albums incomparables dans lesquels elle a contribué à repousser, entre folk et avant-garde, les limites du rock mêlant un lyrisme hérité du romantisme anglais et des expérimentations linguistiques à la Joyce. Née en 1938, enfant de la guerre et des ruines, Nico ne pouvait se contenter d’être un joli visage. Elle, qui chantait dans les cathédrales gothiques comme dans les clubs les plus sordides, dont la devise était Créer pour exister, est décédée en 1988 à Ibiza. Né en 1967, Serge Féray est agrégé de Lettres modernes, docteur en littérature française et littérature comparée. Il a consacré deux essais à la chanteuse du Velvet Underground et un ouvrage à l’étape importante que constitue L'Homme qui venait d'ailleurs de Nicolas Roeg dans le parcours créatif de David Bowie (Le mot et le reste, 2025).

De 1931 à 1956, une production abondante s’épanouit dans les marges d’Hollywood : c’est la « série B », un corpus de films à petit budget tournés par les studios américains dans le but d’affronter la Grande Dépression. Malgré son rôle économique de premier plan et sa popularité auprès du public étasunien, elle demeure peu étudiée dans les études cinématographiques françaises et anglo-saxonnes qui se concentrent sur les longs-métrages de rang A. L’ouvrage répare cet oubli en examinant à nouveaux frais la réception critique de la série B et les catégories esthétiques auxquelles elle a donné naissance, et notamment l’idée que ces films constituent à Hollywood un terrain privilégié d’expérimentations. Il propose une étude approfondie de l’économie, de l’histoire et des styles du B movie classique. Ce faisant, il met en évidence sa dimension contre-culturelle de manière à comprendre pourquoi cette production a tant fasciné des générations entières de cinéphiles et pourquoi elle constitue, encore aujourd’hui, un terreau de promesses esthétiques et politiques pour le cinéma américain.

Georges Teyssot, parmi les plus prolifiques théoriciens contemporains de l’architecture, s’est distingué par ses réflexions sur les rapports entre architecture, corps et technologie. Ses activités d’enseignement l’ont mené de Venise (IUAV) à Princeton (Princeton University), puis à Québec (Université Laval). Ses écrits, nourris par la philosophie, les sciences et l'histoire de l'art, ont profondément transformé la compréhension de l’architecture à travers des concepts novateurs sur la domesticité, les paysages et la techno-esthétique.?Le dispositif Teyssot: un relevé intellectuel prend comme point de départ la bibliothèque personnelle du théoricien, composée de 7191 ouvrages, laquelle se révèle être bien plus qu’une simple collection : elle constitue un véritable dispositif intellectuel. Ce vaste réseau de savoirs, soigneusement répertorié, éclaire les multiples influences l’ayant nourri et inspire ici d’anciens collaborateurs et collègues qui proposent des regards critiques sur les concepts clés de son œuvre tout en suggérant de nouvelles perspectives.