The recording industry regularly paints its consumers as pariahs waiting for new technologies to hurt the very musicians they love. In Music Technology Panic Narratives Beyond Piracy: From Taping to Napster to TikTok, Dr. David Arditi examines how the major record labels single-out new technologies as if they will bring an end to recorded music. They use what he calls the “piracy panic narrative”—a narrative in which new technologies threaten the very existence of recorded music. The piracy panic narrative is a rhetorical construct that helps to hide the material reality of the recording industry by positioning major record labels and their recording artists as the victims of widespread crime in the form of piracy. Now, divorced from piracy, the recording industry continues to use the panic narrative to dissuade fans from specific practices and to lobby the government for particular policies. Each time, they use the narrative to change public sentiment, the law, and policy to strengthen their profits. At every moment what gets ignored is labels are the primary exploiter of musicians.

À la fin de l’ère industrielle anglaise, les grandes villes du nord n’offraient à leur jeunesse que le football et le rock. C’est ainsi que dans les années 60, Manchester engendrait les Bee-Gees, les Hollies, Freddy and the Dreamers entre autres. Avec ce livre, le lecteur ira à leur rencontre puis accompagnera Bob Dylan et les Sex Pistols au Free Trade Hall, entré deux fois dans la légende. Il découvrira aussi le mouvement Madchester, l'épopée du club Haçienda, berceau de Joy Division, et celle des studios Strawberry. P.Brossat le guidera ensuite jusqu’à la maison d’enfance de Morrissey des Smiths, avant de rejoindre celle des frères Gallagher. Son parcours se poursuivra jusqu'à aujourd’hui et Bugzy Malone. Philippe Brossat est né en 1954, la même année que le rock. Publicitaire, il a consacré une bonne partie de ses loisirs à arpenter le monde à la recherche des lieux mythiques de l’histoire de sa musique préférée. Aux éditions Le mot et le reste il a publié Places I Remember, Streets of New York, Streets of Los Angeles, Streets of Chicago et Londres et Liverpool, avec les Beatles.

Vendu à 2,5 millions d’exemplaires et traduit en 17 langues, "Dessiner grâce au cerveau droit" est la référence dans le domaine. Que vous pensiez ne pas savoir dessiner ou que vous soyez un artiste professionnel, ce livre vous fera prendre confiance en vos capacités et améliorera votre technique.

 À PROPOS DE L'AUTRICE

Betty Edwards a exercé comme professeure d’art à l’Université d’État de Californie à Long Beach, après avoir obtenu son doctorat en art, éducation et psychologie de la perception à l’Université de Californie. Elle est l’auteure de plusieurs ouvrages, parmi lesquels "Dessiner grâce au cerveau droit" – Livre d’exercices et Vision, Dessin, Créativité, tous les deux parus aux éditions Mardaga.

Philippe Brossat, appareil photo autour du cou, entraîne ses lecteurs dans les rues de New York, l’une des capitales mondiales de la musique et celle qui a consacré Elvis Presley et les Beatles avant que Bob Dylan (et toute la scène folk avec lui) ne pose ses valises à Greenwich Village. On se faufile à la suite de Leonard Cohen et des Sex Pistols au Chelsea Hotel, on assiste à la naissance du Velvet Underground et à celle du punk dont l’East Village et le CBGB seront le berceau, accueillant les prestations déroutantes de Suicide, Patti Smith, Blondie, des New York Dolls et des Talking Heads. On succombera ensuite à l’appel du disco au club 54 avec Madonna, pour finir dans le Bronx et à Brooklyn en pleine block party, prémices d’une révolution qui mènera au règne du hip-hop. Philippe Brossat est né en 1954, la même année que le rock. Publicitaire, il a consacré une bonne partie de ses loisirs à arpenter le monde à la recherche des lieux mythiques de l’histoire de sa musique préférée. Aux éditions Le mot et le reste, il a publié Places I Remember (2013), Londres et Liverpool, avec les Beatles (2021), Streets of Los Angeles (2023) et Streets of Chicago (2024).

Au cours des années 1920, les valeurs et les comportements “adultes” de l’Occident sont tenus pour responsables des horreurs de la Première Guerre mondiale. Partout, la jeunesse devient porteuse d’espoirs nouveaux. C’est dans un tel contexte qu’apparaît Tintin en 1929. Mais Hergé pousse le raisonnement jusqu’au bout en créant un mythe nouveau, celui du surenfant. Mieux que le surhomme, il rend la justice et part à la conquête du monde sans faire couler le sang. Ce mythe fascinera le public au point d’être adopté par plusieurs générations d’adolescents qui découvriront la planète à travers les yeux de Tintin. Les caractéristiques de ce mythe, ses métamorphoses au cours du XXe siècle, les raisons profondes de son succès sont ici démontées, pour le plus grand plaisir du lecteur. Professeur à l’université de Stanford, Jean-Marie Apostolidès (1943-2023) fut un essayiste aux intérêts multiples, du théâtre (L’Hypnose théâtrale, Les Impressions Nouvelles) au situationnisme (Debord le naufrageur, Flammarion). Il est aussi l’un des meilleurs spécialistes de l’univers d’Hergé (Les Métamorphoses de Tintin, Champs-Flammarion ; Dans la peau de Tintin, Les Impressions Nouvelles).

Prise de vues, montage, cadre, mouvements de caméra, raccords, transitions et effets visuels constituent la grammaire du cinéma. Moyens d’expression du réalisateur, ils lui permettent de raconter une histoire, créer une ambiance et transmettre des émotions.
Outil indispensable pour l’étudiant en cinéma ou le cinéphile, ce livre pratique expose les techniques, règles et principes du langage filmé. Dans une approche originale et pédagogique, l’auteur analyse et décortique plus de 200 extraits de films choisis dans le cinéma classique, de genre et contemporain. Une invitation à revisiter l’histoire mondiale du 7^e  art et de ses créateurs pour découvrir et comprendre le langage cinématographique.
 

Longtemps, j’ai cru qu’il n’y avait pas de femmes dans l’histoire de la musique.

Quand on suit un parcours classique, elles ne sont jamais abordées, au point que l’on finit par présumer qu’aucune n’a fait de la musique son métier. En tant que petite fille qui se destinait à cette discipline, ça ne m’a pas suffi. Et le jour où, à ma question « pourquoi n’existe-t-il pas de femmes chef d’orchestre ? », on m’a répondu que seul un homme pouvait exercer ce métier car il nécessitait d’être respecté par tous les musiciens, quelque chose a changé en moi. Depuis, j’ai entrepris de rendre hommage à celles qui m'ont précédée et ce livre aujourd’hui avec pour mission de les rendre aussi vivantes que si vous les aviez rencontrées en personne.

Dans ce témoignage très personnel, Esther Abrami nous livre son parcours, des débuts difficiles jusqu’aux plus grandes scènes internationales. À travers les portraits de quinze musiciennes qui ont guidé ses pas, elle nous confie le récit d’une trajectoire hors du commun faite de persévérance, de passion et de sacrifices. Une histoire vraie, portée par la conviction que la musique se transmet, surtout entre femmes.

Esther Abrami est violoniste classique et compositrice. Diplômée du Royal College of Music de Londres, elle enchaîne les tournées internationales, de l’Olympia à Paris au Royal Albert Hall de Londres, en passant par l’ouverture de la cérémonie de victoire de la Ligue des Champions devant 48 000 spectateurs. Avec plus d’un million d’abonnés sur les réseaux sociaux, elle fait tomber les barrières entre les générations et redonne à la musique classique toute sa modernité. Lors de ses concerts, Esther partage sa passion pour les figures féminines qu’elle admire, notamment les grandes compositrices mises à l’honneur dans son dernier album, Women.

Pourquoi l’Australie ? Parce que c’est l’impensé de notre culture musicale. Trop isolé, trop méprisé, trop complexé par rapport à la Grande Bretagne, le pays a pourtant produit tout un pan de l’histoire du rock et inventé une formule plus brute et sauvage qu’ailleurs, au diapason de sa géographie, traçant une filiation entre le rhythm’n’blues des Easybeats, le hard rock d'AC/DC, le punk des Saints, le rock gothique de Nick Cave ou le garage rock de King Gizzard and the Lizard Wizard. Mais l'Australie a aussi vu germer d’étranges graines qui ont fini par envahir d’autres contrées : INXS, Dead Can Dance, Tame Impala, Dr. G Yunupingu… S’il explore la musique australienne à travers cent disques, ce livre se rêve d’abord en essai qui étudie les rapports entre géographie, histoire et musique. Emmanuel Chirache est journaliste. Aux éditions Le mot et le reste il a publié Covers, Une histoire de la reprise dans le rock (2015).

This is the first volume in a planned series compiling the papers of the renowned scholar of music, Kwabena Nketia. The papers were mostly contributions to books and journals published overseas, and to international meetings and conferences; and have been made available in Ghana in a collected edition.

The volume in hand deals with modes of inquiry and interpretation broadly organised into sections on theory, and historical and creative studies. The section on theoretical issues comprises papers on: the problem of meaning in African music; musicology and African music; the juncture of the social and the musical; integrating objectivity and experience in ethnomusicological studies; the aesthetic dimension in ethnomusicological studies; universal perspectives in ethnomusicology; and contextual strategies of inquiry and systematisation.

The section on creative and historical topics covers the following: the history of music in African culture; history and the organization of music in West Africa; historical evidence in Ga religious music; processes of differentiation and interdependency in African music; African musical roots in the Americas; and developing contemporary idioms out of traditional music.

1750, Leipzig. Johann Sebastian Bach s’éteint, laissant derrière lui une œuvre inachevée qu’il considère comme son testament musical : L’Art de la fugue. Cette œuvre vertigineuse est construite du début à la fin sur un thème unique. Bach n’a laissé aucune indication sur l’instrumentation ni sur l’ordre d’exécution. Mais le plus troublant survient à la dernière mesure : la musique s’interrompt et le compositeur inscrit son propre nom en notes. Grâce au solfège allemand, les lettres B-A-C-H deviennent une mélodie résonnant comme une signature musicale. Une énigme de plus laissée par le compositeur qui aimait truffer ses œuvres de messages cachés. Pourquoi Bach n'a t-il jamais terminé son testament musical ? Quels secrets recèle L’Art de la fugue ? Quels codes Bach y a-t-il disséminés ? Pierre Charvet est compositeur, pédagogue et homme de média. Formé à la Manhattan School of Music de New York, où il a ensuite enseigné, il a également étudié à l’Ircam, l’institut fondé par Pierre Boulez à Paris. Il est l’auteur et le présentateur d’émissions pour France 2, France 5, France Info et France Musique. Après avoir dirigé les programmes de France Musique, il est aujourd’hui délégué à la création musicale à Radio France.

1976. Les Eagles règnent sur les charts. En février sort Their Greatest Hits (1971-1975) qui reste à ce jour l’album le plus vendu aux Etats-Unis (38 millions de copies écoulées) ; le 8 décembre de la même année, Hotel California débarque dans les bacs et la chanson titre envahit les ondes du monde entier. Entre morceaux d’anthologie, tensions et vies débridées, les Eagles marquent alors l’histoire de la musique américaine des années 70. Cinquante ans plus tard, ils continuent de remplir les salles. Un succès planétaire qui doit beaucoup à la détermination de Glenn Frey et Don Henley, songwriters émérites. Eagles, Life in the Fast Lane retrace le parcours du groupe qui a retranscrit, peut-être mieux que quiconque, le californian way of life au gré d’albums et de morceaux restés célèbres. Biberonné aux Beatles et à Miles Davis, à Elton John comme à Jean-Louis Murat, The Police, Stevie Wonder, les Beach Boys ou Frank Zappa, Alexis Hache écrit régulièrement pour la rubrique musique des Inrockuptibles. Journaliste sportif et musical, également communicant, il a travaillé pour Canal+, RMC Sport, Le Monde, Afrique Magazine, RFI ou encore le magazine New Noise et RIFFX.

« Génie musical, révolutionnaire artistique, provocateur insatiable : Wagner n’a jamais laissé indifférent. »

Dans ce portrait vibrant, Guy de Pourtalès retrace la trajectoire hors norme de Richard Wagner, compositeur visionnaire dont l’œuvre bouleversa à jamais l’histoire de l’opéra. De ses débuts difficiles à ses triomphes tardifs, l’auteur explore une vie faite d’exils, de dettes, de passions dévorantes et de scandales retentissants. Derrière les partitions monumentales et les innovations musicales se dévoile un homme animé par une ambition inébranlable, prêt à défier son époque pour imposer une nouvelle conception de l’art total.

À travers ce récit vivant, le lecteur découvre la naissance de chefs-d’œuvre tels que Tristan et Isolde ou L’Anneau du Nibelung, ainsi que les luttes intimes d’un créateur partagé entre génie et tourments. Entre biographie historique et fresque artistique, ce livre éclaire les forces qui ont façonné l’un des compositeurs les plus influents du XIX? siècle. Une immersion captivante au cœur de la musique, de la création et du destin d’un géant de l’opéra.

?À PROPOS DE L'AUTEUR

Écrivain suisse de langue française, Guy de Pourtalès s'est illustré dans l'art de la biographie romancée, particulièrement celle des grands compositeurs européens. Issu d'une famille aristocratique, il consacre son œuvre à faire revivre les figures majeures de la musique romantique et leur époque.

Son style allie rigueur documentaire et sensibilité littéraire, transformant la vie des artistes en récits captivants où l'histoire rencontre la création artistique. Ses biographies ont contribué à populariser la musique classique auprès du grand public.

Lauréat du Grand Prix du roman de l'Académie française, Guy de Pourtalès demeure une référence dans le genre de la biographie musicale.

Une révolution artistique s’est produite au tournant du siècle quand un petit groupe d’artistes pionniers a commencé à mobiliser les technosciences émergentes pour manipuler le vivant lui-même au-delà de l’élevage, de l’agriculture et du jardin d’apparat et faire entrer l’art dans des aventures extraordinaires et inattendues. Dominique Lestel montre la fécondité philosophique de ce mouvement artistique majeur qui retourne le vivant sur lui-même. Familier de ce mouvement, il nous aide à apprivoiser cette configuration émergente et place sa signification dans une autre « histoire du vivant » dans laquelle l’art biotique ambitionne de réinventer l’Évolution. Les bio-artistes contemporains réinventent le vivant en l’extirpant du monopole des biologistes car ils montrent qu’être vivant ne se réduit ni à un processus naturel ni à posséder de l’ADN. Il ne s’agit pas de concurrencer la nature, ni de l’imiter, ni d’ironiser sur notre rapport à elle, mais d’en reprendre le « projet » en court-circuitant ses prémisses et en le conduisant sur des chemins laissés en friche afin que l’évolution du vivant devienne l’occasion d’exercer une créativité joyeuse. Examinant un grand nombre de contributions de l’art biotique, Dominique Lestel en dégage le projet central : faire apparaître dans le vivant des potentialités non exploitées et des connexions inédites avec l’humain – et, de plus en plus, avec des agents vivants non biologiques.

Detroit, Motor City. Ce nom est depuis 100 ans synonyme de l’industrie automobile américaine mais dans la musique, il signifie haute énergie, usine à hits, P-Funk, techno. Il évoque John Lee Hooker et Iggy Pop, Marvin Gaye et Jeff Mills, Bob Seger et George Clinton. Il embrasse l’histoire de la musique américaine, des big bands Swing qui soulevaient des ballrooms parmi les plus grandes du pays aux soirées techno qui faisaient vibrer les murs des friches industrielles, en passant par les shows télévisés prestigieux de la Motown, le chaos des soirées psychés des années de braise de l’après-68 et la brutalité du hardcore des années Reagan. Detroit Sampler raconte cette épopée de vinyle, de furie et d’électricité par une analyse libre et passionante de l'évolution musicale de la ville. Pierre Evil est critique musical et chroniqueur subculturel. Il écrit dans Magic sur la musique et les cultures populaires. Il est l’auteur notamment de Gangsta rap aux éditions Le mot et le reste, une histoire du rap de Los Angeles des années 1980-1990.

En un demi-siècle, le statut de la bande dessinée a considérablement évolué, même si tout n’est pas toujours pour le mieux dans ce « petit monde » de l’image dessinée et du texte écrit. Au sein de ce champ de la bande dessinée contemporaine, Hergé (1907-1983) fait figure de cas d’école, non seulement parce que son parcours d’auteur rend exemplairement compte de l’histoire du genre BD, mais aussi parce qu’il a contribué à la consécration de celui-ci.

Il est un des rares auteurs de bande dessinée à disposer depuis 2009 d’un musée à son nom (le musée Hergé à Louvain-la-Neuve, en Belgique) ; on ne compte plus les expositions qui, de par le monde, ont célébré les Aventures de Tintin ; il en va de même pour les associations de passionné(e)s qui gardent bien vivante la mémoire d’une œuvre qui s’est pourtant arrêtée en 1976, avec Tintin et les Picaros. En outre, dans ce travail de célébration qui défi e le temps, il faut réserver une place particulière à la critique, scientifi que ou vulgarisatrice, qui met au jour depuis la seconde moitié du XXe siècle la richesse des créations de Georges Remi, alias Hergé.

Que l’œuvre d’Hergé « [ait] été analysée de cent façons sans qu’on l’épuise », qu’elle « appelle […] toujours de nouveaux commentaires » sont des prises de position, largement partagées, qui entretiennent l’idée que tout n’a pas été dit. Face à ce constat, une exigence s’impose qui est celle de faire régulièrement le point sur les résultats de ces recherches. C’est à cet effet qu’a été publié en 2021 l’ouvrage collectif Tintin aujourd’hui (Georg éditeur) qui rassemble les interventions d’un colloque international programmé dans la ville du musée Hergé, à Louvain-la-Neuve.

Dans le prolongement de ce colloque, une équipe élargie de spécialistes de l’œuvre d’Hergé a décidé de lancer de nouvelles initiatives pour entretenir la recherche portant sur un des grands chefs d’œuvre littéraires et artistiques du XXe siècle et ainsi contribuer à sa pérennisation.

Le présent ouvrage relève de cette dynamique et offre l’originalité de proposer des articles qui témoignent une nouvelle fois de la diversité des points de vue à partir desquels on peut étudier l’œuvre hergéenne.