Qu'il saisisse un paysage, un portrait ou un nu, Egon Schiele (1890-1918) est un peintre de l'âme et du désir. Confiant en son talent, affirmant d'emblée sa vocation, il est reçu dès seize ans à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne. Salué en son temps par Klimt - chef de file de l'avant-garde viennoise -, il réalise durant sa brève existence environ trois cents huiles sur toile et plus de trois mille oeuvres sur papier, à l'aquarelle ou à la gouache. Entre Art nouveau et expressionnisme, Schiele fait du corps dénudé son champ d'expression privilégié. Corps d'adultes - dont le sien - mais aussi corps d'enfants, ce qui lui vaudra un procès et une brève incarcération. Toutefois, son oeuvre ne saurait se réduire à une inspiration sulfureuse ou à un goût du macabre et de la putréfaction.

Christophe Danvers retrace avec brio la vie d'Egon Schiele en s'appuyant sur des archives inconnues du public français : fragments autobiographiques, abondante correspondance avec son épouse, ses amis, ses mécènes, ses galeristes... Il nous permet ainsi de suivre le fascinant parcours de cet artiste inclassable, génie météore qui, victime de la grippe espagnole, décédera à l'âge de vingt-huit ans.

La 3e édition - corrigée et augmentée - de cet ouvrage destiné à tous les publics a pour but la définition des termes musicaux les plus courants. En effet, ces derniers sont constamment utilisés par les musiciens et les spécialistes puisqu’ils constituent l’incontournable langage descriptif de la musique. Mais l’honnête homme en général, le mélomane en particulier ou même l’apprenti musicien, qui n’appartiennent pas forcément à l’une de ces deux catégories, ne sont pas à l'abri d'être confrontés un jour ou l’autre à cette prose technique qui peut s’avérer parfois un peu absconse.

Il a donc paru nécessaire de regrouper et d’expliquer dans un seul petit volume des termes appartenant au monde de la musique dans sa globalité, puisqu’on y trouvera tout aussi bien des allusions propres au monde de la musique classique que des entrées très courantes dans ceux du jazz, du rock, de la variété ou bien encore des musiques non occidentales.

Pour illustrer et agrémenter le tout, le lecteur y trouvera également quelques dessins et images, ainsi que de nombreux exemples musicaux.

Agrégé de musique, flûtiste à bec et saxophoniste de jazz, Frédéric Platzer est enseignant. Auteur de nombreux ouvrages pédagogiques et de culture générale, il collabore régulièrement à plusieurs revues pour lesquelles il réalise des recensions d'ouvrages et de CD.

In THE ART OF EFFICIENT AND EFFECTIVE REHEARSING, Robert Ingari presents effective rehearsal techniques that allow choral conductors and their singers to use the musical structure of a work to energize and enrich the rehearsal process. For the conductor who wishes to achieve more convincing and consistent results, practical and targeted tools are offered to help reach these goals. Based on the principle of an organized and interactive approach derived from the structural elements of the score, the proposed rehearsal techniques prove useful in all situations, helping to better coordinate the rehearsal process and make score learning more coherent. Furthermore, Jennifer Y. M. Lee contributes by offering tools designed to more effectively accompany the adult learner, thus enhancing the conductor’s working process.

Jean Renoir (1894-1979) est le seul à s’être autant exprimé sur le cinéma ou sur d’autres sujets. La cinquantaine de textes qui forment ce volume sont pour la plupart totalement inédits. Leur écriture couvre une période allant du muet aux dernières années de la vie du cinéaste installé aux États-Unis depuis 1941. Incroyable conteur, rédigeant en français, parfois en anglais, Renoir évoque la genèse de certains de ses films, son père, le peintre Auguste Renoir, les évolutions de l’art cinématographique. Il se prononce fréquemment sur l’histoire des arts ou la marche du monde. Plusieurs textes rendent hommage à des peintres, des écrivains et des gens de cinéma, et, durant la période troublée de la guerre, à tous ceux demeurés en Europe. Claude Gauteur, Christopher Faulkner et Olivier Curchod sont historiens du cinéma. Ensemble ou séparément, ils ont publié une douzaine d’ouvrages sur Jean Renoir et d’innombrables d’articles : Gauteur, D’un Renoir l’autre, Le Temps des cerises, 2005 ; Faulkner (avec Paul Duncan), Jean Renoir : conversation avec ses films (1894-1979), Taschen, 2007 ; Curchod, La « Méthode Renoir » : pleins feux sur « Partie de campagne » (1936) et « La Grande Illusion » (1937), Armand-Colin, 2012.

Un design efficace ne saurait se contenter d'être esthétique ou fonctionnel, il doit raconter une histoire et déclencher des émotions. Au croisement entre sciences cognitives, psychologie, mythologie et culture, le storytelling est un outil puissant qui permet de tisser des liens forts entre une marque, un objet ou une interface et son utilisateur.
Cet ouvrage propose 100 règles et conseils directement applicables qui aideront les designers à insuffler un storytelling efficace à leur création. Pour aller plus loin, 10 créatifs dévoilent également leur processus de création  en interrogeant la manière dont le storytelling s'incarne dans leur travail.

Dès l’époque du muet, le cinéma est projeté en musique. Avec le film sonore, celle-ci se mue en bande originale et fait partie intégrante de l’œuvre, influençant son rythme, sa symbolique, son expressivité. Dans les années 1950, la musique rock apparaît. Des ponts se créent entre les aspirations d’une jeunesse qu’elle cherche à incarner et les récits cinématographiques. Peu à peu, les bandes originales intègrent l’électricité, l’électronique, s’enrichissent de morceaux pop, soul, funk, disco, punk, metal, hip-hop ou techno, interagissant avec le propos visuel et narratif des films. Ce livre retrace cette évolution en examinant – à travers cent films sortis des années 1950 à nos jours – différentes modalités de rencontre entre la pop au sens large et le cinéma : comédies musicales, documentaires, biopics ou fictions de genres divers, tous dotés d’une BO remarquable. Né en 1980, Boris Ryczek a étudié la littérature et la sémiologie. Il a écrit des chroniques musicales et cinématographiques pour Rolling Stone, Radio Libertaire et différents médias en ligne. Auteur, compositeur et interprète, il collabore avec des musiciens de styles variés et travaille dans la communication publique.

This study concerns a the dark, sensorial epistemologies emerging from intersections of documentary and horror cinema. From the ineffable subjects of horror documentaries and pseudo-documentaries, to the obsessive chroniclers of mockumentary horror cinema, the films examined here express generalized millennial and 21st-century archival anxiety around an unsettled and unsettling hypermediated reality. Part I focuses on gothumentaries, nonfiction works evoking the Gothic’s unreadable subjects and undetected realities. Case studies show key documentary films such as Capturing the Friedmans, Cropsey, and The Hellstrom Chronicle bringing Gothic-horror tropes and conventions to bear upon documentary subject matter to produce skepticism of American environmental, social, and national stability from the 1970s onward. Part II explores mockumentary, fake found-footage, and screen life horror cinema that turns to strategies of documentary and factual discourse to express an archival anxiety around human interaction with recording technologies. Case studies of pivotal films such as The Blair Witch Project, Diary of the Dead, Lake Mungo, Unfriended, Sickhouse, and We Are All Going to the World’s Fair turn to Gothic reflexivity as a way of expressing the subject’s relationship to, and experience of, a modernity that overwhelms in terms of its immensity, speed, and recordability.

Tout le monde a une bonne raison d’aimer Dirty Dancing Sorti en 1987, Dirty Dancing a connu un succès aussi fulgurant qu’inattendu, qui ne s’est jamais démenti. Loin de pouvoir se réduire à un film romantique sur un amour de vacances et à un porté mythique, il s’articule autour d’un avortement, alors illégal aux États-Unis – ce qui est redevenu cruellement actuel aujourd’hui. Sur fond d’une bande originale singulière et entêtante, à travers sa façon de représenter la danse, mais aussi le désir, l’amitié ou la liberté de choix, ce film a changé la vie de très nombreuses femmes. Ce livre nous raconte pourquoi. Autrice de plusieurs livres autour de la culture pop, Andrea Warner est aussi journaliste, productrice, scénariste et coanimatrice d’un podcast féministe hebdomadaire. Elle vit et travaille à Vancouver. Reconnue comme l'une des meilleures journalistes musicales au Canada, Andrea Warner vit à Vancouver. Elle est l’autrice de Rise Up and Sing!: Power, Protest, and Activism in Music, de Buffy Sainte-Marie: The Authorized Biography et de We Oughta Know: How Four Women Ruled the ’90s and Changed Canadian Music. Elle est également coscénariste et productrice associée du documentaire Buffy Sainte-Marie: Carry It On et coanimatrice du podcast hebdomadaire féministe sur la culture pop Pop This!

Mikhaïl Vroubel (1856-1910), peintre symboliste et précurseur de l'expressionnisme, a profondément influencé les artistes de l'avant-garde russe. Diplômé des Beaux-Arts, il a parcouru l'Italie, perfectionnant son art en restaurant des trésors inestimables, notamment pour le musée de l'Ermitage. Ces expériences ont nourri son inspiration et orienté son imaginaire unique. À travers ses œuvres, empreintes de poésie et de mystère, Vroubel puise également dans la richesse littéraire de son époque, en pleine effervescence. Ce livre, enrichi de magnifiques reproductions en couleurs, dévoile l'univers fascinant de ce grand maître russe. Une découverte incontournable pour les néophytes et un pur enchantement pour les passionnés. L'occasion idéale de redonner à Vroubel la reconnaissance qu'il mérite en Occident..

«?Est-il possible de penser la technologie et l’IA à la lueur de la création artistique???» C’est en essayant de répondre à cette question que Louis de Diesbach nous montre comment la puissance du monde artistique éclaire les limites de la technique, et comment nous pouvons repenser notre rapport à l’intelligence artificielle. Nourri de plus de cent vingt rencontres avec des acteurs du monde de l’art – artistes, philosophes, entrepreneurs, juristes… –, Louis de Diesbach utilise la création artistique comme prisme pour interroger l’IA. Il révèle une résistance singulière?: face à une technologie qui standardise, l’art nous montre notre besoin de nous arracher aux logiques strictement mathématiques. Cela étant, l’auteur de ce livre rappelle qu’il reste de nombreuses questions à aborder, de l’impact environnemental à la souveraineté numérique, en passant par le droit d’auteur et l’industrialisation. Penser l’IA, c’est aussi penser ces enjeux, pour nous permettre de rejeter le strictement statistique. Une invitation à considérer la technique par ce qu’elle ne peut capturer – la fragilité, l’inattendu, le vivant. Louis de Diesbach éthicien de la technique, s’intéresse aux enjeux non techniques de la techno­logie en combinant une activité philosophique, une activité académique et de recherche ainsi qu’un emploi dans une entreprise à forte composante tech. Éthicien de la technique, Louis de Diesbach s’intéresse aux enjeux non-techniques de la technologie en combinant une activité philosophique, une activité académique et de recherche, ainsi qu’un emploi dans une entreprise à forte composante tech’.

La première biographie de l'immense pianiste Nicholas Angelich, né dans l'Ohio en 1970 et disparu à l'âge de 52 ans, par la journaliste Nathalie Krafft, qui l'a bien connu. Journaliste, Nathalie Krafft a été rédactrice en chef du Monde de la musique pendant quinze ans. Elle est l'autrice, entre autres, de la nouvelle édition des Cahiers de conversation de Beethoven (2015), d'Écouter Sibelius avec Éric Tanguy (2017), et de Beethoven par lui-même chez Buchet/Chastel.

Apprendre à dessiner les animaux peut devenir une véritable aventure créative. Ce livre vous guide pas à pas pour apprendre à les représenter avec aisance et confiance. Des animaux familiers aux espèces exotiques venues des quatre coins du monde, vous découvrez comment les dessiner grâce à une méthode claire et accessible fondée sur des formes géométriques simples : ovales, rectangles et triangles qui se transforment peu à peu en figures pleines de vie. Au fil des chapitres, vous apprendrez à comprendre les proportions, l’équilibre et le mouvement tout en développant votre sens de l’observation et votre précision technique. Avec un peu de pratique et le goût du détail, vous saurez bientôt saisir la puissance d’un lion, l’élégance d’un cygne ou la rapidité d’un guépard. Un guide de dessin pratique, pédagogique et intemporel, accessible à tous les niveaux.

Earth, Wind & Fire est la concrétisation d’un rêve né dans l’esprit du génial Maurice White, un batteur de studio qui a forgé son expérience au sein des labels de blues/soul/jazz de Chicago et du Ramsey Lewis Trio. Son ambition est de produire une musique mêlant un riche panel d’influences, à la fois sophistiquée et accessible et porteuse d’un message universel de paix et d’amour. Pour mener à bien son projet visionnaire, il s’entoure tout au long de son parcours de fabuleux musiciens, chanteurs, compositeurs, arrangeurs et producteurs dont les plus illustres sont Verdine White, Philip Bailey, Larry Dunn, Al McKay ou Charles Stepney. Depuis sa création en 1970, EW&F a conquis la planète avec des hits intemporels et s’est hissé au panthéon des groupes majeurs de l’histoire du funk. Belkacem Meziane est musicien, enseignant, conférencier et chroniqueur radio/presse. Aux éditions Le mot et le reste, il a publié plusieurs ouvrages sur l’histoire des musiques noires américaines : On The One (2019), This Is How We Do It (2021), Rhythm’n’Blues (2023) et Disco (2025).

Née dans le sillage d'Hergé, la bande dessinée dite "franco-belge", qui s'est imposée par le biais des hebdomadaires Spirou et Tintin , a largement fait écho aux préjugés coloniaux. Le cas de Tintin au Congo , publié en 1930, est assez bien connu.

Le présent ouvrage analyse la production franco-belge de manière plus générale, pour faire notamment ressortir des convergences.
 A travers la bande dessinée franco-belge "classique", se dévoile tout un imaginaire colonial, qui fait écho à l'idéologie officielle développée outre-Quiévrain, mais aussi à des romans ou au cinéma.
Le lecteur observera cependant que le genre étudié, imprégné de valeurs catholiques et scoutes, cultive parfois un idéal de fraternité entre les peuples et de rejet des préjugés.

Isaac Levitan fut l'un des plus grands maitres du paysage au XIX? siècle, non seulement en Russie, mais dans toute l'Europe. Son œuvre, d'une profondeur et d'une sensibilité rares, possède une valeur artistique intemporelle. À travers ses toiles, il sut unir la beauté de la nature aux joies, aux souffrances et aux réalités sociales de son époque, transformant les scènes les plus simples de la vie quotidienne en visions poétiques d'une grande intensité. Son art, profondément lyrique, traduit les émotions de l'âme humaine et l'attachement intime à sa terre natale. À la fin du XIX? siècle, le paysage occupait une place centrale dans la peinture russe, et Levitan en devint l'une des figures les plus emblématiques. Son œuvre incarne avec justesse et éclat les plus hautes réussites de la peinture paysagère russe, alliant émotion, vérité et harmonie.

En 1967 James Brown sort « Cold Sweat », un titre qui signe l’acte de naissance du funk. Il révolutionne la soul en basant sa musique sur le rythme, et son groove sur le premier temps de la mesure, le fameux « One », inaugurant un nouveau style plus dansant. Le funk puise dans tous les styles dominants et influencera ceux à venir (hip-hop, house). Nombreux sont les musiciens qui participent à son essor (Sly Stone, Funkadelic, Kool & The Gang, Stevie Wonder), à son anoblissement (Miles Davis, Herbie Hancock), à sa complexification (George Clinton, Cameo) et à sa domination des charts (Michael Jackson, Prince). Cette anthologie explore l’univers complexe du funk et dessine une histoire qui s’écrit encore avec Bruno Mars, Justin Timberlake ou Daft Punk. Belkacem Meziane est musicien, enseignant, conférencier et chroniqueur radio/presse. Aux éditions Le mot et le reste, il a publié plusieurs ouvrages sur l’histoire des musiques noires américaines : Disco (2020), This Is How We Do It (2021) et Rhythm’n’Blues (2023).

Fondé en 1968, Black Sabbath a changé l’histoire du rock. Leur deuxième album Paranoid est considéré comme une des pierres angulaires du heavy metal. Issus du milieu prolétaire de Birmingham, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Burler et Bill Ward ont redessiné le visage du heavy rock compensant des qualités techniques limitées par une approche stylistique radicale. L'auteur revient sur les cinquante-huit années de carrière de cette formation qui, outre le metal, a influencé le grunge et le stoner. Il analyse la genèse et la discographie du groupe d’origine puis suit la trajectoire d’un projet qui, gangrené par la drogue et au gré d’incessants changements d’effectif, a terni sa propre image, avant d’opérer un retour en grâce à partir de 2013 jusqu'à la disparition d'Ozzy Osbourne en 2025. Aux éditions Le mot et le reste, Nicolas Merrien est également l'auteur de Guns N’ Roses, Reckless Life (2018).

Nouvelles, récit de voyage, lettres, entretiens donnés à la presse : les oeuvres en prose de la poétesse iranienne Forough Farrokhzâd (1935-1967) sont très largement méconnues en Iran et au dehors. Sélectionnées, présentées et traduites dans ce volume par Sébastien Jallaud, elles jettent une lumière unique sur la précocité et le talent de leur autrice, sur la naissance de la poésie moderne en Iran et, plus généralement, sur les grandes questions qui animent les artistes iraniens des années 1950-1960. Elles constituent aussi les mots d’une femme-écrivain dans une société iranienne en proie à une modernisation et une occidentalisation brutales. Elles dépeignent avec éloquence la vie émotionnelle extrêmement riche de l’autrice, sa lutte permanente contre les forces répressives qui faisaient rage en elle-même et au sein de la société iranienne. Elle s’y affirme comme artiste ambitieuse, s’élève contre ses détracteurs, revendique ses influences iraniennes, françaises et internationales. Elle se présente comme une femme en quête d’indépendance, luttant pour la liberté des femmes et l’égalité des droits entre les sexes. Outre son activité littéraire, Forough Farrokhzâd est célèbre pour sa brève mais marquante carrière cinématographique. On trouvera donc, aux côtés de ses textes littéraires, des entretiens évoquant son travail cinématographique et son regard sur le cinéma contemporain, ainsi qu’une transcription de la voix off de son film, La Maison est noire, aujourd’hui tenu pour un chef-d’oeuvre du cinéma moderne iranien. Le livre s’ouvre sur un avant-propos détaillé présentant l’autrice et son oeuvre. Chaque texte est précédé d’une notice introductive qui en explique le contexte.

Cette biographie offre un regard approfondi sur la vie et la carrière de Mary Cassatt, l'une des rares femmes à être parvenue à s'imposer dans le monde de l'art, largement dominé par les hommes à la fin du XIX? et au début du XX? siècle. Originaire des États-Unis, elle passa la majeure partie de sa vie en France, où elle devint une figure majeure du mouvement impressionniste aux côtés de Edgar Degas et Claude Monet. Riche d'environ cent reproductions de ses œuvres, cet ouvrage montre comment Mary Cassatt, grâce à une sensibilité et un regard profondément personnel, sut dépasser les normes artistiques de son époque. Ses représentations intimes de la maternité et de la vie domestique allient force expressive et subtilité psychologique. Son œuvre apparaît ainsi comme un témoignage essentiel de l'émancipation des femmes dans l'histoire de l'art.

Les peintres russes de l'eau présente un large éventail de représentations de l'eau, source d'inspiration, à travers les rivières, les lacs, la mer, la neige, la pluie et s'inscrit dans les oeuvres conservées au Musée d'État des peintres russes, à partir du XVIIIe siècle. Parmi les peintures figurent des oeuvres de, Sylvestre Chtchedrine, Ivan Aïvazovski, Vassili Polenov, Abram Arkhipov et Ilia Répine. Sutherland Lyall raconte de façon vivante et élégante l'apparition passionnante et variée de l'eau dans le monde de l'art russe. Il invite le lecteur à découvrir quelque chose de l'histoire et des coutumes de ce vaste pays, et donne un aperçu de la peinture russe.

Depuis l’invention de la première flûte en os au Paléolithique, la technologie fait partie de l’histoire de la musique. Toutes ses grandes innovations, de la conception de la notation musicale à l’électrification des instruments, nous ont permis d’élargir ce qu’il était possible de faire et d’exprimer musicalement. Aujourd’hui cependant, les avancées de l’intelligence artificielle bouleversent la donne : pour la première fois, la musique n’est plus seulement une conversation entre humains. Les répercussions sont multiples et complexes; elles touchent au droit d’auteur et à la propriété des œuvres, aux milliers d’emplois de l’industrie musicale et à la relation profondément intime qui nous lie à ce que nous écoutons. Puisant dans des domaines aussi divers que la musicologie, l’archéologie, la neurologie et l’informatique, cet ouvrage nous invite à prendre conscience du lien fondamental et précieux qui unit la musique à notre humanité.

Ils n’ont jamais cessé de clamer qu’ils étaient le meilleur groupe du monde. Connus pour leur arrogance, les frères Noel et Liam Gallagher ont réussi à hisser Oasis au panthéon du rock. Comment ce succès s’est-il construit ? Comment expliquer l’engouement que les frères Gallagher ont suscité après une séparation de quinze ans ? Alors qu’ils sont repartis en tournée mondiale en 2025 et que des dates en France sont espérées, Oasis, les derniers rois d’Angleterre propose de se pencher sur le succès phénoménal d’un groupe parfois décrié, que certains jugent surestimé mais dont les chansons sont devenues des classiques. L’histoire d’une folle ascension, d’un retour tonitruant mais aussi de la fin d’une époque. Après Oasis, quel groupe de rock à guitare pourra prétendre à une gloire pareille ? Né en 1976 à Rennes, Philippe Mathé est journaliste depuis une vingtaine d’années à Ouest-France. Il y a été secrétaire de rédaction, localier, unier et travaille actuellement au desk multimédia. Il y écrit sur la musique depuis une dizaine d’années : chroniques, portraits, interviews, reportages... Il collabore également depuis dix ans à Magic, revue pop moderne. Oasis, Les derniers rois d’Angleterre est son premier ouvrage.

Si à Hollywood la comédie musicale est associée au romantisme et à l’onirisme, elle est dans le théâtre américain avant tout une forme satirique. Cet ouvrage enquête sur les vestiges cinématographiques de cette tradition satirique et les causes de son atténuation, pour des raisons notamment d’autocensure, mais aussi de ses résurgences. Cette histoire est centrée sur les performances féminines irrévérencieuses, issues du théâtre burlesque, qui ont caractérisé le style des grandes personnalités de la scène, et leur transposition hollywoodienne.

Voici l’ouvrage de référence qui manquait à la bande dessinée et au cinéma d’animation. À sa riche et rare iconographie croisée, qui réjouira tous les publics, répondent des textes originaux, fouillés, accessibles et même ludiques. La construction thématique de l’ouvrage en dix grandes parties permet au lecteur d’arpenter aisément espaces connus et zones inconnues, d’enjamber l’histoire et les cultures qui font aujourd’hui de la bande dessinée et du cinéma d’animation deux arts majeurs du xxie siècle. Au fil des pages, le lecteur découvrira l’incroyable diversité des deux arts et leurs relations tumultueuses depuis deux siècles. Bande dessinée et cinéma d’animation propose un tour du monde, de Töpffer à Felix le Chat, de Manara aux Schtroumpfs, de Métal hurlant au studio Ghibli. Xavier Kawa-Topor a fondé la biennale Nouvelles images du Japon. Délégué général de la NEF Animation il co-dirige la revue Blink Blank. Il a publié Cinéma d’animation : au-delà du réel, Le Cinéma d’animation en 100 films (avec Philippe Moins). Pascal Vimenet, enseignant en esthétique et en histoire du cinéma depuis 1989. Il a notamment publié Un abécédaire de la fantasmagorie (L’Harmattan, 2015-2024), De Popeye à Persepolis (Warm, 2022), Émile Reynaud, nouveaux regards (L’Harmattan, 2023).

Rap ou littérature, Juliette Mita a très vite abaissé les cloisons qui séparent ces écritures et laissé les paroles qu’elles portent la toucher.

Comme elle a appris à le faire à l’école avec les classiques, elle a pris goût aux analyses de textes de rap et à en extraire la force entre les punchlines. Si le rap est aujourd’hui le genre musical le plus écouté en France, il lutte encore pour affirmer sa légitimité et faire reconnaître sa richesse littéraire. Dans sa forme comme dans son fond, il propose pourtant une véritable réinvention de l’écriture, en offrant à ses textes l'appui de la musique pour favoriser leur diffusion. À travers cette analyse, l'autrice révèle la puissance du rap comme moyen de transmettre le goût des mots à un public large et varié.

Juliette Mita est journaliste. Il y a deux ans, elle a créé @MotsCroizés, point de rencontre d’auteurs aux horizons variés. Sur ce média digital, elle a souhaité mettre à l’honneur l’écriture, dans son sens le plus large et le plus pur. Effacer les frontières qui se placent entre des genres qu’on a coutume d’opposer. Croiser des profils divers, mêler des univers et créer des connexions là où on ne les attend pas. @MotsCroizés est dédié aux artistes en tout genre, séparés par des kilomètres ou des siècles, mais rassemblés autour d’une seule et même cause : l’amour des mots.

Attirés par l’émulation du champ artistique français et le dynamisme de son marché, plus stimulants que ceux de Barcelone, les artistes catalans de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle sont nombreux à traverser les Pyrénées pour rejoindre Paris, coeur de la modernité artistique. Joaquim Sunyer, Pau Roig, Ricard Canals, Pablo Picasso et tant d’autres s’installent dans la capitale, entre Montparnasse et Montmartre. Ils s’y adonnent à l’estampe, à la peinture, au dessin, et tentent de s’intégrer aux réseaux artistiques parisiens, en collaborant avec la presse illustrée, en s’entourant de mécènes et de marchands d’art, en exposant aux Salons et en s’adaptant aux goûts de l’époque. Laura Karp Lugo suit les trajectoires individuelles de ces peintres, graveurs et dessinateurs qui forment la communauté des artistes catalans de Paris, et propose une analyse fine de leurs réseaux de sociabilité, des pratiques artistiques en vogue, enfin de la diffusion et de la réception de leurs oeuvres qui, en retour, ont façonné les conditions mêmes de leur production. En révélant leur quotidien, l’autrice éclaire d’un jour nouveau l’accueil que la capitale internationale de l’art qu’était alors Paris a réservé à ces artistes passés au-delà des Pyrénées. Grâce à un travail rigoureux d’archives, pour la plupart inédites, et l’exploration d’une immense production encore trop méconnue, cet ouvrage s’inscrit dans les recherches actuelles sur les relations artistiques transnationales, et comble une lacune de l’historiographie de l’art.

Cet ouvrage propose d’éclairer les débats autour de la restitution des biens culturels africains au regard des premiers retours et de leurs enjeux politiques, sociaux et diplomatiques. Les réclamations sont aussi anciennes que les spoliations. Toutefois, la demande officielle de la République du Bénin en 2016, le discours du président Macron à Ouagadougou en 2017, suivi du rapport Sarr-Savoy en 2018, a ouvert une nouvelle séquence de débats sur la légitimité et la légalité des restitutions.

Starmania, l’opéra-rock composé par Michel Berger et écrit par Luc Plamondon défie le temps. Interrogeant incessamment l’actualité politico-sociale et les grandes problématiques humaines ; inaugurant un modèle de production des hyperspectacles musicaux francophones ; fédérant autour d’elle un public intergénérationnel, l’œuvre se présente comme une dystopie avant-gardiste qui trouve pour la première fois dans cet ouvrage un espace d’étude intégrale. De l’album concept produit par Warner en 1978 à la mise en scène post-apocalyptique de Thomas Jolly en 2022 à la Seine musicale de Boulogne, Starmania n’a eu de cesse de se réinventer en devenant un objet patrimonial de la culture populaire. L’ouvrage croise les analyses de chercheurs internationaux (littérature française, musicologie, sociologie, sciences de l’information et de la communication) et les voix rapportées d’artistes ayant participé aux différentes versions du spectacle devenu, au fil du temps, la passionaria des comédies musicales à la française.

Pendant près de deux décennies, Sylvie Granger (1955-2022) a joué un rôle central dans la création et l’enrichissement de la base de données sur les « Musiciens d’église dans la France de l’époque moderne » (Muséfrem). Très active dans le dépouillement des archives et la mise en forme de la documentation recueillie, elle a surtout assuré avec dynamisme l’animation de l’équipe de chercheurs du programme. Ces derniers lui témoignent ici leur gratitude par un bouquet d’articles dédiés aux thématiques qu’ils ont partagées avec elle. Le livre offre ainsi une série d’éclairages sur les professionnels de la musique au service du culte catholique en France aux xviie et xviiie siècles, mais aussi sur leur environnement institutionnel, social et culturel.

Malgré leur apparent cousinage, patrimoine culturel et imaginaire social ont rarement été pensés dans leurs relations dialogiques. Cet ouvrage propose de réfléchir à ce que l’imaginaire permet de comprendre du patrimoine, mais aussi comment le patrimoine apporte à l’imaginaire un support matériel et anthropologique. Une ligne directrice a été suivie entre histoire, philosophie et sciences sociales : c’est par les images, iconographiques et mentales, que le lien entre patrimoine et imaginaire peut être mieux compris. Images et récits travaillent nos émotions, singulièrement la nostalgie, c’est-à-dire le sentiment de l’absence de ce qui a été. Ils instituent le patrimoine en bien collectif, particulièrement quand ils s’expriment dans des Figures particulières – stéréotypes, emblèmes et idées images. S’appuyant sur des sources ethnographiques et des travaux d’historiens, l’ouvrage montre comment la gentrification, l’attachement à son quartier ou le patriotisme de ville se nourrissent à cet imaginaire patrimonial. C’est aussi l’urbanité, c’est-à-dire ce qui fait que la ville est quelque chose de plus que l’agrégat de bâtiments et d’espaces de circulation, qui y puise ses singularités.

L’univers audio s’est élargi, c’est un fait. L’écoute en ligne de contenus audio progresse et oblige les radios à accélérer leur développement numérique, mais qu’en comprenons-nous vraiment ? Comment la radio répond-elle aux nouvelles habitudes de consommation et de production modulées et alimentées par les plateformes de diffusion simultanées ou à la demande, les assistants vocaux personnels et les réseaux sociaux de toutes sortes?? 

Cet ouvrage analyse en profondeur la façon dont le média radiophonique s’adapte à l’engouement et à l’élargissement de cet univers facilité par les technologies numériques. Avec une approche multidisciplinaire, des chercheurs et des professionnels esquissent un portrait critique actuel des mutations de ce média indépendamment de son statut et établissent les perspectives sur l’avenir de la radio et du «?son?».

Comment penser au théâtre la spécificité, la pluralité et la complexité des fonctions de l’auteur, aussi bien en diachronie (du xixe siècle aux créations contemporaines) qu’en synchronie, en s’intéressant à la fois au texte et à son devenir scénique ? Pour répondre, l’ouvrage offre de nombreux éclairages (juridique, sociologique, théorique, historique et littéraire), et croise plusieurs approches (monographies, études d’ensemble, entretiens avec des ayants droit et des auteurs, metteur en scène, éditeurs, directeurs de structure). De cette manière, il explore la nature et les opérations des auctorialités multiples qui caractérisent le théâtre.

L’émergence au milieu des années 1990 en République populaire de Chine d’un underground musical punk à Pékin et Wuhan a de quoi surprendre, quelques années seulement après la répression du mouvement démocratique de Tian’anmen. De jeunes Chinois et Chinoises ont ainsi investi des espaces en dehors du marché et de l’État afin de constituer des communautés alternatives où de nouvelles formes de vie ont été expérimentées loin des critères établis par le Parti communiste chinois.Cet ouvrage retrace pour la première fois l’histoire du punk chinois, replacé dans le contexte plus large des mouvements contre-culturels chinois, et tente, en adoptant une approche ethnographique, de donner une idée précise de ce qui s’élabore dans ces espaces et des significations que les acteurs du punk attribuent à leurs pratiques musicales. De l’histoire du rock chinois des années 1980 à l’introduction sur le marché noir des dakou (CD et cassettes de contrebande venus de l’Occident), en passant par les tournées en compagnie des groupes de punk, les insultes proférées dans les chansons, ou les pogos dansés dans des salles de concert minuscules, cet ouvrage apporte un éclairage inédit sur un mouvement contestataire encore largement méconnu. Alors que le régime chinois contrôle de plus en plus fermement les modalités d’expression publique, cette analyse du punk explique comment un discours de vérité sur le pouvoir s’est élaboré aux marges de la société chinoise, perpétuant la mémoire des luttes passées et préparant celles à venir.

Alors que la monarchie lance ses derniers feux, la Musique du roi recherche l’excellence en regroupant, comme au Grand Siècle, les meilleurs artistes du royaume et recrute jusqu’au-delà des frontières. Castrats italiens, enfants de chœur et autres chanteurs aux voix puissantes composent un chœur formidable, admiré par Leopold Mozart. L’orchestre n’est pas en reste, dont les virtuoses parmi lesquels le jeune Rodolphe Kreutzer « emportent la musique à la première vue quelque difficile qu’elle soit ». Chaque jour, à la chapelle, à l’opéra ou dans les salons, la musique composée par les chefs de cet ensemble d’élite résonne dans les résidences royales. C’est à Versailles qu’habitent la plupart de ces musiciens. Ils constituent un groupe social homogène, soudé par des liens forts qui dépassent la complicité musicale : mariages heureux ou non, parrainages, amitiés s’y épanouissent en une sociabilité qui s’étend à l’ensemble des serviteurs de la Cour et au voisinage versaillais. Ces quelque 400 hommes et femmes laissent entrevoir l’intimité de leurs logis, entrouvrent la porte de leur culture et de leurs sentiments. Acteurs du cérémonial monarchique, ils permettent aussi une approche originale de la société urbaine des dernières décennies de l’Ancien Régime.

Ce premier volume d’un guide en huit tomes, propose une exploration inédite de la musique à travers ses thématiques. Consacré à la nature et à l’environnement, il rassemble un vaste répertoire d’œuvres inspirées par le monde naturel?: les animaux, les oiseaux, les insectes, le ciel et l’espace (lune, soleil, étoiles), les phénomènes climatiques (pluie, neige, tempêtes, orages), les fleurs, jardins, forêts, paysages et montagnes, les eaux (lacs, rivières, mers, fontaines), le feu, la nuit et les saisons. Vous y trouverez également beaucoup de chansons françaises.

Chaque chapitre thématique s’ouvre sur un préambule historique, retraçant l’évolution du sujet dans l’histoire musicale, du Moyen Âge à nos jours. Il est suivi d’un dictionnaire des œuvres?: les compositeurs sont présentés par ordre alphabétique, avec pour chaque pièce une notice détaillée (genèse de la composition, forme, durée, lieu de conservation du manuscrit ou édition).

Ce volume s’inscrit dans un projet éditorial ambitieux, qui se poursuivra avec sept autres tomes couvrant les grands domaines suivants?:

II. Vie sociale, vie politique et Vie culturelle

III. Antiquité, mythologie et Religion

IV. Techniques d’écriture

V. Formes insolites et Musiques transversales

VI. Styles, musiques du monde et Folklores

VII. Littérature française dans la musique,

VIII. Littérature européenne et Personnages romanesques.

Véritable outil de découverte, ce guide s’adresse autant aux mélomanes curieux qu’aux enseignants, interprètes, programmateurs et chercheurs

The painter Edouard Manet (1832-1883) was a central figure for momentous and lasting changes in the realm of art that still resound today. His art speaks directly to the philosophical issues and political conflicts of his own time and is therefore deeply embedded in the development of modernity. 'Manet’s Ironic Duplicity' focuses on that situation and the historically conscious artist’s sometimes ambivalent struggle for authenticity. Rather than another full chronological monograph, the book is an interdisciplinary study organized around key concepts. It reframes the major, and sometimes disparate issues in Manet scholarship by focusing on a never-before-considered overriding theme—duplicity—which itself is multiple in its manifestations and variants, hence 'duplicities'. Reversing the usual narrative, this study deconstructs and enlightens the myth of the heroic artist struggling for individual and original vision by revealing how so much of Manet’s creativity and irony was prompted by frustrations due to repressive politics, censorship, and challenges to his sense of self. A key aspect of the latter was his masculinity. Although Manet’s association with the ideas of the poet and critic Charles Baudelaire is well known, never has Baudelaire’s essay 'On the Essence of Laughter and the Comic in the Visual Arts' been brought to bear on the concept of irony in Manet’s work. Given Baudelaire’s rapprochement between actors and artists, as well as Manet’s familiarity with the theatrical milieu, the book focuses on Manet’s two little-studied representations of 'Hamlet' as both the starting and end point of its analysis. It then concludes with a re-reading of the painter’s illustrated letters to women as a dissimulation of his final, fatal illness in order to maintain his masculine honor.

Dans Art et civilisation persane : Splendeur et héritage à travers les dynasties, avec des extraits du Rub??iyy?t d’Omar Khayy?m, nous explorons l’héritage magnifique de la Perse, depuis la splendeur opulente des cours sassanides jusqu’à l’art raffiné de l’époque qadjare. Cette édition introduit un chapitre richement annoté dédié aux Rub??iyy?t d’Omar Khayy?m, comportant de nouvelles traductions accompagnées d’un contexte historique et littéraire.

The recording industry regularly paints its consumers as pariahs waiting for new technologies to hurt the very musicians they love. In Music Technology Panic Narratives Beyond Piracy: From Taping to Napster to TikTok, Dr. David Arditi examines how the major record labels single-out new technologies as if they will bring an end to recorded music. They use what he calls the “piracy panic narrative”—a narrative in which new technologies threaten the very existence of recorded music. The piracy panic narrative is a rhetorical construct that helps to hide the material reality of the recording industry by positioning major record labels and their recording artists as the victims of widespread crime in the form of piracy. Now, divorced from piracy, the recording industry continues to use the panic narrative to dissuade fans from specific practices and to lobby the government for particular policies. Each time, they use the narrative to change public sentiment, the law, and policy to strengthen their profits. At every moment what gets ignored is labels are the primary exploiter of musicians.